Lev Nyikolajevics Oborin |

Lev Oborin

Lev Nikolaevich Oborin volt az első szovjet művész, aki a szovjet zenei előadóművészet történetében első győzelmet aratott egy nemzetközi versenyen (Varsó, 1927, Chopin-verseny). Ma, amikor sorra vonulnak fel a különböző zenei tornák győzteseinek sorai, amikor folyamatosan új nevek, arcok bukkannak fel bennük, akikkel „nincs szám”, nehéz teljes mértékben értékelni, amit Oborin 85 évvel ezelőtt csinált. Diadal volt, szenzáció, bravúr. A felfedezőket mindig becsület veszi körül – az űrkutatásban, a tudományban, a közügyekben; Oborin nyitotta meg az utat, amelyet J. Flier, E. Gilels, J. Zak és még sokan mások ragyogóan követtek. Egy komoly alkotói versenyen mindig nehéz első díjat nyerni; 1927-ben a burzsoá Lengyelországban a szovjet művészekkel szemben uralkodó rosszakarat légkörében Oborin kétszeresen, háromszor nehéz volt. Győzelmét nem véletlennek vagy valami másnak köszönhette – kizárólag önmagának, nagyszerű és rendkívül elbűvölő tehetségének köszönhette.

• Zongorazene az Ozon webáruházban →

Oborin Moszkvában született, egy vasúti mérnök családjában. A fiú édesanyja, Nina Viktorovna szeretett zongora mellett tölteni az időt, édesapja, Nyikolaj Nyikolajevics pedig nagy zenerajongó volt. Időről időre rögtönzött koncerteket rendeztek az Oborinoknál: az egyik vendég énekelt vagy játszott, Nyikolaj Nyikolajevics ilyen esetekben szívesen lépett fel kísérőként.

A leendő zongorista első tanára Elena Fabianovna Gnesina volt, aki jól ismert a zenei körökben. Később a konzervatóriumban Oborin Konstantin Nyikolajevics Igumnovnál tanult. „Mély, összetett, sajátos természet volt. Bizonyos szempontból egyedi. Azt gondolom, hogy azok a kísérletek, amelyek Igumnov művészi egyéniségét egy-két fogalom vagy meghatározás segítségével jellemezzék – legyen az „lírikus”, vagy valami hasonló –, általában kudarcra vannak ítélve. (A Konzervatórium fiataljai pedig, akik Igumnovot csak egyetlen felvételről és egyéni szóbeli vallomásokból ismerik, néha hajlanak az ilyen meghatározásokra.)

Az igazat megvallva – folytatta a történetet tanáráról, Oborinról –, Igumnov zongoraművészként nem mindig volt egyenletes. A legjobban talán otthon, a szerettei körében játszott. Itt, egy családias, kényelmes környezetben érezte magát jól és nyugodtan. Ilyen pillanatokban ihletetten, őszinte lelkesedéssel zenélt. Ráadásul otthon, a hangszerén mindig „kijött” neki minden. A télikertben, az osztályteremben, ahol néha sok ember gyűlt össze (diákok, vendégek…), már nem olyan szabadon „lélegzett” a zongoránál. Elég sokat játszott itt, bár őszintén szólva nem mindig és nem mindig sikerült minden egyformán jól. Igumnov nem az elejétől a végéig, hanem részekben, töredékekben mutatta be a tanulóval együtt tanulmányozott műveket (azokat, amelyek éppen dolgoztak). Ami a nagyközönséghez intézett beszédeit illeti, soha nem lehetett előre megjósolni, mivé lesz ez az előadás.

Csodálatos, felejthetetlen clavirabendek voltak, az első hangtól az utolsó hangig spiritualizálva, a zene lelkébe való legfinomabb behatolás jellemezte. És velük együtt voltak egyenetlen előadások is. Minden a perctől, a hangulattól függött, azon, hogy Konsztantyin Nyikolajevicsnek sikerült-e uralkodnia az idegein, leküzdeni az izgalmát.

Az Igumnovval való kapcsolattartás sokat jelentett Oborin kreatív életében. De nem csak őket. A fiatal zenésznek általában, ahogy mondani szokták, „szerencséje volt” a tanárokkal. Konzervatóriumi mentorai között volt Nyikolaj Jakovlevics Myaskovsky, akitől a fiatalember zeneszerzési órákat vett. Oborinnak nem kellett hivatásos zeneszerzővé válnia; a későbbi élet egyszerűen nem hagyott neki ilyen lehetőséget. A neves zongoraművésznek azonban sokat adtak a korabeli kreatív tanulmányok – ezt nem egyszer hangsúlyozta. „Úgy alakult az élet” – mondta, hogy végül művész és tanár lettem, nem pedig zeneszerző. Fiatal éveimet most emlékezetembe elevenítve azonban gyakran elgondolkodom azon, mennyire voltak hasznosak és hasznosak számomra ezek a komponálási kísérletek. A lényeg nemcsak az, hogy a billentyűs „kísérletezéssel” elmélyültem a zongora kifejező tulajdonságainak megértésében, hanem a különféle textúrakombinációk önálló létrehozásával és gyakorlásával általában zongoraművészként fejlődtem. Egyébként sokat kellett tanulnom – nem azért, hogy megtanuljam a darabjaimat, ahogy például Rahmanyinov sem tanította őket, én sem tudtam…

És a fő dolog mégis más. Amikor a saját kézirataimat félretéve átvettem mások zenéjét, más szerzők műveit, valahogy sokkal világosabbá vált számomra ezeknek a műveknek a formája, szerkezete, belső felépítése és a hanganyag felépítése. Észrevettem, hogy ekkor kezdtem el sokkal tudatosabban elmélyülni a komplex intonációs-harmonikus átalakulások jelentésében, a dallamötletek fejlődési logikájában stb. A zenealkotás számomra, az előadóművész számára felbecsülhetetlen értékű szolgáltatásokat nyújtott.

Sokszor eszembe jut egy-egy furcsa esemény az életemből” – zárta Oborin a beszélgetést a zeneszerzés előnyeiről az előadók számára. „Valahogy a harmincas évek elején meghívást kaptam Alekszej Makszimovics Gorkijhoz. Azt kell mondanom, hogy Gorkij nagyon szerette a zenét, és finoman is érezte. Természetesen a tulajdonos kérésére le kellett ülnöm a hangszerhez. Ezután sokat játszottam, és úgy tűnik, nagy lelkesedéssel. Alekszej Maksimovics figyelmesen hallgatott, állát a tenyerére támasztotta, és soha nem vette le rólam intelligens és kedves tekintetét. Váratlanul megkérdezte: „Mondd, Lev Nyikolajevics, miért nem komponálsz magad?” Nem, válaszolom, régebben szerettem, de most egyszerűen nincs időm – utazás, koncertek, diákok… „Kár, kár – mondja Gorkij –, ha a zeneszerzői adottság már velejárója. benned természettől fogva óvni kell – ez óriási érték. Igen, és az előadásban valószínűleg sokat segítene… „Emlékszem, hogy engem, fiatal zenészt mélyen megráztak ezek a szavak. Ne mondj semmit – bölcsen! Ő, aki annyira távol állt a zenétől, olyan gyorsan és helyesen fogta fel a probléma lényegét – előadó-zeneszerző".

A Gorkijjal való találkozás csak egy volt a sok érdekes találkozó és ismeretség sorában, amelyek Oborint értek az XNUMX-ban és az XNUMX-ben. Akkoriban szoros kapcsolatban állt Sosztakovicsszal, Prokofjevvel, Sebalinnal, Hacsaturjannal, Szofronyickijjal, Kozlovszkijjal. Közel állt a színház világához – Meyerholdhoz, az „MKhAT-hoz”, és különösen Moszkvinhoz; a fentebb megnevezettek némelyikével erős barátság fűzte. Később, amikor Oborin neves mester lesz, a kritika csodálattal fog írni róla belső kultúra, játékában változatlanul benne rejlik, hogy benne érezhető az intelligencia varázsa az életben és a színpadon. Oborin ezt szerencsésen kialakult ifjúságának köszönhette: családjának, tanárainak, diáktársainak; egyszer egy beszélgetés során elmondta, hogy fiatal korában kiváló „tápanyag-környezet” volt.

1926-ban Oborin kiválóan diplomázott a Moszkvai Konzervatóriumban. Nevét aranyba vésték a híres márvány dísztáblára, amely a Konzervatórium kistermének előterét díszíti. Ez még tavasszal történt, és ugyanazon év decemberében Moszkvában érkezett meg a varsói első nemzetközi Chopin-zongoraverseny tájékoztatója. A Szovjetunióból zenészeket hívtak meg. A probléma az volt, hogy gyakorlatilag nem maradt idő a versenyre való felkészülésre. „Három héttel a verseny kezdete előtt Igumnov megmutatta a versenyprogramot” – emlékezett később Oborin. „A repertoárom a kötelező versenyprogram körülbelül egyharmadát tartalmazta. Az ilyen körülmények között végzett edzés értelmetlennek tűnt.” Ennek ellenére elkezdett készülni: Igumnov ragaszkodott hozzá az akkori idők egyik legtekintélyesebb zenészéhez, BL Yavorskyhoz, akinek a véleményét Oborin a legnagyobb mértékben figyelembe vette. „Ha igazán akarsz, beszélhetsz” – mondta Javorszkij Oborinnak. És hitt.

Varsóban Oborin rendkívül jól mutatta magát. Egyhangúlag elnyerte az első díjat. A külföldi sajtó – nem titkolva meglepetését (az már fentebb volt: 1927 volt) – lelkesen beszélt a szovjet zenész fellépéséről. Az ismert lengyel zeneszerző, Karol Szymanowski Oborin teljesítményét értékelve kimondta azokat a szavakat, amelyeket a világ számos országának lapjai egy időben megkerültek: „Jelenség! Nem bűn imádni őt, mert ő teremti meg a Szépséget.

Varsóból hazatérve Oborin aktív koncerttevékenységbe kezd. Felfelé ível: körútjainak földrajza bővül, az előadások száma növekszik (el kell hagyni a kompozíciót – nincs elég idő és energia). Oborin koncertmunkája különösen a háború utáni években fejlődött széles körben: a Szovjetunió mellett az USA-ban, Franciaországban, Belgiumban, Nagy-Britanniában, Japánban és sok más országban játszik. Csak a betegség szakítja meg ezt a megállás nélküli és gyors túrát.

… Aki emlékezik a harmincas évek zongoristájára, azok egyöntetűen beszélnek játékának ritka varázsáról – művészettelen, fiatalos frissességgel és érzelmek közvetlenségével teli. IS Kozlovszkij a fiatal Oborinról azt írja, hogy „lírával, bájjal, emberi melegséggel, valamiféle kisugárzással hatott rá”. A „sugárzás” szó vonzza itt a figyelmet: kifejező, festői és figuratív, sokat segít megérteni a zenész megjelenésében.

És még egy megvesztegetett benne – az egyszerűség. Talán az Igumnov-iskola hatott, talán Oborin természetének vonásai, jellemének felépítése (valószínűleg mindkettő) – csak benne, mint művészben volt benne elképesztő tisztaság, könnyedség, integritás, belső harmónia. Ez szinte ellenállhatatlan benyomást tett a nagyközönségre és a zongoraművész kollégákra is. Oborinban, a zongoraművészben valami olyasmit éreztek, ami az orosz művészet távoli és dicső hagyományaihoz nyúlik vissza – ezek valóban sokat határoztak meg koncertelőadási stílusában.

Műsoraiban nagy helyet foglaltak el az orosz szerzők művei. Csodálatosan játszotta a Négy évszakot, Dumkát és Csajkovszkij első zongoraversenyét. Gyakran lehetett hallani Muszorgszkij képeit egy kiállításon, valamint Rahmanyinov műveit – a második és harmadik zongoraversenyt, prelúdiumokat, etűd-képeket, zenei pillanatokat. Nem lehet nem felidézni, érintve Oborin repertoárjának ezt a részét, valamint Borodin „kis szvitjének” elbűvölő előadását, Ljadov Variációk Glinka témájára, Zongoraversenyt és zenekart, op. 70 A. Rubinstein. Valóban orosz művész volt – jellemében, megjelenésében, hozzáállásában, művészi ízlésében és vonzalmaiban. Egyszerűen lehetetlen volt mindezt nem érezni művészetében.

És még egy szerzőt kell megnevezni, ha Oborin repertoárjáról beszélünk: Chopin. Zenéjét a színpad első lépéseitől napjai végéig játszotta; Egyszer az egyik cikkében ezt írta: „Soha nem hagy el az öröm érzése, amit a zongoristák Chopinnek éreznek.” Nehéz visszaemlékezni mindarra, amit Oborin játszott Chopin-műsoraiban – etűdöket, prelúdiumokat, keringőket, noktürneket, mazurkákat, szonátákat, versenyműveket és még sok minden mást. Nehéz felsorolni hogy játszott, ma még nehezebb előadást tartani, as megcsinálta. „Chopinje – kristálytiszta és fényes – osztatlanul megragadta a közönséget” – csodálta J. Flier. Természetesen nem véletlen, hogy Oborin élete első és legnagyobb alkotói diadalát a nagy lengyel zeneszerző emlékének szentelt versenyen élte át.

… 1953-ban került sor az Oborin – Oistrakh duett első előadására. Néhány évvel később egy trió született: Oborin – Oistrakh – Knushevitsky. Azóta Oborin nemcsak szólistaként, hanem első osztályú együttes játékosként is ismertté vált a zenei világ előtt. Fiatal kora óta szerette a kamarazenét (még mielőtt találkozott volna leendő partnereivel, duettben játszott D. Ciganovval, a Beethoven Quartettel együtt lépett fel). Sőt, Oborint művészi természetének néhány vonása – előadói rugalmasság, érzékenység, gyors kreatív kapcsolatteremtési képesség, stílusbeli sokoldalúság – a duettek és triók nélkülözhetetlen tagjává tették. Oborin, Oisztrah és Knushevickij számlájára hatalmas mennyiségű zenét játszottak újra – klasszikusok, romantikusok, modern szerzők műveit. Ha már csúcsteljesítményeikről beszélünk, akkor nem szabad megnevezni a Rahmanyinov csellószonátát Oborin és Knushevitsky tolmácsolásában, valamint mind a tíz Beethoven-szonátát hegedűre és zongorára, amelyeket egyszerre adott elő Oborin és Oisztrah. Ezeket a szonátákat különösen 1962-ben adták elő Párizsban, ahol szovjet művészeket hívott meg egy jól ismert francia lemezcég. Másfél hónap alatt lemezre is megörökítették fellépésüket, és – egy sor koncerten – bemutatták a francia közönségnek. Nehéz időszak volt ez az illusztris páros számára. „Igazán keményen és keményen dolgoztunk – mondta később DF Oistrakh –, nem mentünk sehova, tartózkodtunk a csábító városi sétáktól, és számos vendégszerető meghívást visszautasítottunk. Visszatérve Beethoven zenéjére, szerettem volna még egyszer átgondolni a szonáták általános tervét (ami számít!), és újra átélni minden részletet. De nem valószínű, hogy a közönség, miután ellátogatott koncertjeinkre, nagyobb örömet szerzett volna, mint mi. Minden estét élveztünk, amikor szonátákat játszottunk a színpadról, végtelenül boldogok voltunk, hallgattuk a zenét a stúdió csendjében, ahol minden feltétel adott volt ehhez.”

Minden más mellett Oborin tanított is. 1931-től élete utolsó napjaiig népes osztályt vezetett a Moszkvai Konzervatóriumban – több mint egy tucat diákot nevelt fel, akik között számos neves zongoraművész említhető. Oborin általában aktívan turnézott: az ország különböző városaiba utazott, hosszú időt töltött külföldön. Így történt, hogy a diákokkal való találkozásai nem voltak túl gyakoriak, nem mindig rendszeresek és rendszeresek. Ez természetesen nem hagyott bizonyos nyomot az osztályában. Itt nem kellett mindennapos, gondoskodó pedagógiai ellátással számolni; sok mindenre az „Oborintsoknak” maguktól kellett rájönniük. Egy ilyen oktatási helyzetben nyilvánvalóan megvoltak az előnyeik és a hátrányaik is. Ez most másról szól. Ritka találkozás a tanárral valahogy különösen nagyra értékelt házi kedvencei – ezt szeretném hangsúlyozni. Talán többre becsülték őket, mint más professzorok óráin (még akkor is, ha nem voltak kevésbé kiemelkedőek és megérdemeltek, de inkább „hazaiak”). Ezek az Oborinnal való találkozás-leckék eseménynek számítottak; különös gonddal készült rájuk, várta őket, ez történt, szinte ünnepként. Nehéz megmondani, hogy volt-e alapvető különbség Lev Nyikolajevics tanítványa számára abban, hogy mondjuk a Konzervatórium Kistermében lépett fel valamelyik diákesten, vagy egy új, távollétében tanult darabot játszott tanárának. Ez a felfokozott érzés Felelősség az osztálytermi előadás előtt egyfajta stimuláns volt – erős és nagyon specifikus – az Oborinnal tartott órákon. Gondozottai pszichológiai és nevelőmunkájában, a professzorral való kapcsolatában sokat határozott.

Kétségtelen, hogy az egyik fő paraméter, amely alapján lehet és kell megítélni a tanítás sikerességét, összefügg hatóság tanár, szakmai presztízsének mértéke a hallgatók szemében, a tanítványaira gyakorolt ​​érzelmi és akarati befolyás mértéke. Oborin tekintélye az osztályban vitathatatlanul magas volt, és a fiatal zongoristákra gyakorolt ​​hatása rendkívül erős volt; ez önmagában elég volt ahhoz, hogy jelentős pedagógiai személyiségként beszéljünk róla. A vele szorosan kommunikáló emberek emlékeznek rá, hogy Lev Nikolajevics néhány szava néha súlyosabbnak és jelentőségteljesebbnek bizonyult, mint a többi legcsodálatosabb és virágosabb beszéd.

Meg kell mondanunk, hogy általában jobban tetszett Oborinnak néhány szó, mint a hosszadalmas pedagógiai monológok. Inkább kissé zárkózott, mint túlságosan társaságkedvelő, mindig meglehetősen lakonikus, fukar volt a kijelentésekkel. Mindenféle irodalmi kitérő, analógiák és párhuzamok, színes hasonlatok és költői metaforák – mindez inkább kivétel volt óráin, mint szabály. Magáról a zenéről – karakteréről, képeiről, eszmei és művészi tartalmáról – rendkívül tömör, precíz és szigorú kifejezéseket fogalmazott meg. Kijelentéseiben soha nem volt semmi fölösleges, nem kötelező, ami elvezetett volna. Az ékesszólásnak van egy sajátos fajtája: csak azt mondani, ami lényeges, és semmi többet; ebben az értelemben Oborin igazán ékesszóló volt.

Lev Nyikolajevics különösen rövid volt a próbákon, egy-két nappal az előadás előtt, osztályának jövendő tanulója. „Félek megzavarni a hallgatót – mondta egyszer –, legalábbis valamilyen módon megrendíteni a bevett koncepcióba vetett hitét, félek „elriasztani” az élénk előadói érzést. Szerintem az a legjobb, ha egy tanár a koncert előtti időszakban nem tanít, nem oktat újra és újra egy fiatal zenészt, hanem egyszerűen támogatja, felvidítja…”

Egy másik jellegzetes pillanat. Oborin mindig konkrét és céltudatos pedagógiai utasításai és megjegyzései általában arra vonatkoztak, ami gyakorlati oldal a zongorizmusban. A teljesítménnyel, mint olyannal. Hogyan lehet például ezt vagy azt a nehéz helyet eljátszani, amennyire csak lehet, leegyszerűsítve, technikailag megkönnyítve; milyen ujjolás lehet itt a legalkalmasabb; az ujjak, kezek és test helyzete a legkényelmesebb és legmegfelelőbb; milyen tapintási érzések vezetnének a kívánt hanghoz stb. – ezek és ehhez hasonló kérdések kerültek leggyakrabban Oborin leckéjének homlokterébe, meghatározva annak sajátos konstruktivitását, gazdag „technológiai” tartalmát.

A hallgatók számára kiemelten fontos volt, hogy mindazt, amiről Oborin beszélt, a zongoraművészeti „mesterség” legbensőségesebb titkainak ismerete alapján – egyfajta aranytartalékként – hatalmas előadói tapasztalata „biztosította”.

Hogyan lehet mondjuk egy darabot előadni a jövőbeli hangzás reményében a koncertteremben? Hogyan lehet korrigálni a hangképzést, árnyalatokat, pedálozást stb. Az ilyen jellegű tanácsok és ajánlások sokszor érkeztek a mestertől, és ami a legfontosabb, Személyesen aki mindezt a gyakorlatban tesztelte. Volt olyan eset, amikor az egyik órán, amely Oborin házában zajlott, egyik tanítványa eljátszotta Chopin első balladáját. „Nos, hát nem rossz” – foglalta össze Lev Nyikolajevics, aki szokás szerint az elejétől a végéig végighallgatta a művet. „De ez a zene túl kamara hangzású, még azt is mondhatnám, hogy „teremszerű”. És a Kisteremben fogsz fellépni... Ezt elfelejtetted? Kérem, kezdje újra, és vegye ezt figyelembe…”

Ebből az epizódból egyébként eszünkbe jut Oborin egyik utasítása, amelyet többször is elhangzott tanítványainak: a színpadról játszó zongoraművésznek világos, érthető, nagyon artikulált „megrovásban” – „jól elhelyezett előadói dikcióban” kell lennie. ahogy Lev Nyikolajevics fogalmazott az egyik osztályban. És ezért: „Kidomborítottabb, nagyobb, határozottabb” – követelte gyakran a próbákon. „Egy szónok, aki a pódiumról beszél, másképp fog beszélni, mint négyszemközt a beszélgetőpartnerével. Ugyanez igaz a nyilvánosan játszó koncertzongoristára is. Az egész teremnek hallania kell, nem csak a bódék első sorainak.

Talán a legerősebb eszköz Oborin arzenáljában, a tanár már régóta előadás (illusztráció) a műszeren; csak az utóbbi években betegség miatt Lev Nikolaevich ritkábban kezdett közelíteni a zongorához. A megjelenítési mód „működő” prioritását, hatékonyságát tekintve, mondhatni, kitűnt a verbális magyarázóhoz képest. És még csak nem is arról van szó, hogy egyik vagy másik előadói technika billentyűs bemutatása segítette az „oborint” hangzásban, technikában, pedálozásban stb. A tanári műsorok-illusztrációk, előadásának élő és közeli példája – mindez valami lényegesebb dolog. Lev Nikolaevich játék a második hangszeren inspirálta a zenei fiatalok új, eddig ismeretlen távlatokat és távlatokat nyitottak meg a zongorizmusban, lehetővé téve számukra, hogy egy nagy koncertszínpad izgalmas aromáját lélegezzék be. Ez a játék néha valami „fehér irigységhez” hasonlót ébresztett: végül is kiderül as и hogy zongorán is lehet csinálni… Régebben az Oborinszkij-zongorán bemutatott mű a legnehezebb helyzetekben világossá tette a hallgatót, elvágta a legbonyolultabb „gordiuszi csomókat”. Leopold Auer emlékirataiban tanáráról, a csodálatos magyar hegedűművészről, J. Joachimról sorakoznak: so!” megnyugtató mosoly kíséretében.” (Auer L. Hegedűiskolám. – M., 1965. S. 38-39.). Hasonló jelenetek gyakran előfordultak az Oborinsky osztályban. Valami zongoraszerűen bonyolult epizódot játszottak le, egy „standardot” mutattak be – majd egy két-három szóból álló összefoglalót tettek hozzá: „Véleményem szerint tehát…”

… Szóval, mit tanított végül Oborin? Mi volt a pedagógiai „hitvallása”? Mi volt kreatív tevékenységének középpontjában?

Oborin a zene figurális és költői tartalmának igaz, valósághű, lélektanilag meggyőző közvetítésével ismertette meg tanítványait; ez volt tanításának alfája és omegája. Lev Nyikolajevics különböző dolgokról beszélhetett óráin, de mindez végül egy dologhoz vezetett: segíteni a hallgatónak, hogy megértse a zeneszerző szándékának legbensőbb lényegét, hogy azt elméjével és szívével megvalósítsa, „társszerzőségbe” lépjen. ” a zenei alkotóval, hogy elképzeléseit maximális meggyőződéssel és meggyőző erővel testesítse meg. „Minél teljesebben és mélyebben érti meg az előadó a szerzőt, annál nagyobb az esélye, hogy a jövőben magának az előadónak is hinni fog” – fejtette ki többször is álláspontját, olykor variálva e gondolat megfogalmazását, de a lényegét nem.

Nos, a szerző megértése – és itt Lev Nyikolajevics az őt felnevelő iskolával, Igumnovval teljes egyetértésben beszélt – az Oborinszkij-órán azt jelentette, hogy a mű szövegét a lehető leggondosabban megfejteni, teljesen „kimeríteni” és az alja, hogy a kottaírásban ne csak a lényeg, hanem a zeneszerzői gondolat legfinomabb, benne rögzült árnyalatai is feltáruljanak. „A zene, amelyet a kottapapíron jelek ábrázolnak, csipkerózsika, még ki kell belőle varázsolni” – mondta egyszer egy diákkörben. Ami a szöveges pontosságot illeti, Lev Nyikolajevics tanítványaival szemben támasztott követelményei voltak a legszigorúbbak, hogy ne mondjam pedánsabbak: a játékban semmi hozzávetőleges, elhamarkodottan, „általában”, kellő alaposság és pontosság nélkül végzett játékban nem engedtek meg. „A legjobb játékos az, aki tisztábban és logikusabban közvetíti a szöveget” – ezek a szavak (L. Godovsky-nak tulajdonítják) kiváló epigráfiául szolgálhatnak Oborin számos leckéhez. A szerző ellen elkövetett – nemcsak a szellem, hanem az értelmezett művek betűi elleni – vétket itt megdöbbentőnek, előadói rossz modornak tekintették. Lev Nikolaevich minden megjelenésével rendkívüli nemtetszését fejezte ki az ilyen helyzetekben…

Egyetlen jelentéktelennek tűnő texturált részlet, egyetlen rejtett visszhang, elmosódott hang stb. sem kerülte el szakmailag éles tekintetét. Emelje ki auditív figyelemmel minden и minden egy értelmezett műben – tanította Oborin – a lényeg az adott mű „felismerése”, megértése. „Egy zenésznek hall – azt jelenti megért“, – vetette be az egyik leckét.

Kétségtelen, hogy nagyra értékelte az egyéniség és az alkotói függetlenség megnyilvánulásait a fiatal zongoristákban, de csak annyiban, amennyire ezek a tulajdonságok hozzájárultak az azonosuláshoz. objektív törvényszerűségek zenei kompozíciók.

Ennek megfelelően meghatározták Lev Nikolaevich követelményeit a diákok játékára. Szigorú, mondhatni purista ízlésű, az ötvenes-hatvanas évek idején kissé akadémikus zenész határozottan szembeszállt a szubjektivista előadásmóddal. Nem volt előítéletektől és óvatosságtól mentes minden, ami fiatal kollégáinak szokatlannak mondó, külsőleg megdöbbentő értelmezéseiben túlzottan megragadó volt. Tehát, amikor egyszer a művészi kreativitás problémáiról beszélt, Oborin felidézte A. Kramskoyt, egyetértve vele abban, hogy „a művészetben az eredetiség az első lépésektől fogva mindig kissé gyanús, és inkább szűkösséget és korlátoltságot jelez, mint széles és sokoldalú tehetséget. A kezdetben mély és érzékeny természetet elragadja minden, ami korábban jót tett; az ilyen természetek utánozzák…”

Vagyis amit Oborin keresett tanítványaitól, hallani akart játékukban, az a következőkkel jellemezhető: egyszerű, szerény, természetes, őszinte, költői. Lelki felemelkedettség, kissé eltúlzott kifejezésmód a muzsikálás folyamatában – mindez általában megrázta Lev Nikolajevicset. Ő maga, mint mondták, mind az életben, mind a színpadon, a hangszernél visszafogott, érzelmekben kiegyensúlyozott volt; megközelítőleg ugyanez az érzelmi „fok” vonzotta őt más zongoristák előadásában is. (Valahogy az egyik debütáló művész túl temperamentumos játékát hallgatva eszébe jutott Anton Rubinstein szavai, miszerint nem szabad sok érzésnek lenni, egy érzés csak mértékkel lehet; ha sok van belőle, akkor hamis…) Következetesség és korrektség az érzelmi megnyilvánulásokban, belső harmónia a poétikában, a technikai kivitelezés tökéletessége, stilisztikai pontosság, szigorúság és tisztaság – ezek és a hasonló előadási tulajdonságok váltották ki Oborin változatlanul helyeslő reakcióját.

Amit az osztályában művelt, az elegáns és kifinomult zenei szakmai oktatásként definiálható, kifogástalan előadói modort oltva tanítványaiban. Ugyanakkor Oborin abból a meggyőződésből indult ki, hogy „egy tanár, legyen bármennyire is nagy tudású és tapasztalt, nem tehet a tanulót tehetségesebbé, mint amilyen természeténél fogva van. Nem fog menni, akármit csinálnak itt, akármilyen pedagógiai fogásokat alkalmaznak. A fiatal zenésznek igazi tehetsége van – előbb-utóbb kitudódik, kitör; nem, itt nincs mit segíteni. Más kérdés, hogy a fiatal tehetségek alá mindig szilárd szakmai alapokat kell lefektetni, legyen az akármekkora is; ismertesse meg vele a jó viselkedés normáit a zenében (és talán nem csak a zenében). Már van közvetlen kötelessége és kötelessége a tanárnak.

A dolgok ilyen látásmódjában nagy bölcsesség, higgadt és józan tudat volt, hogy egy tanár mire képes, és mi az, ami kívül esik rajta…

Oborin hosszú éveken át inspiráló példaként, magas művészeti mintaként szolgált fiatalabb kollégái számára. Tanultak a művészetéből, utánozták. Ismételjük meg, varsói győzelme sokakat felkavart azok közül, akik később követték őt. Nem valószínű, hogy Oborin ezt a vezető, alapvetően fontos szerepet játszotta volna a szovjet zongorizmusban, ha nem személyes varázsa, tisztán emberi tulajdonságai.

Ennek mindig nagy jelentőséget tulajdonítanak szakmai körökben; innen ered sok tekintetben a művészhez való viszonyulás, tevékenységének nyilvános visszhangja. „Nem volt ellentmondás Oborin művész és Oborin ember között” – írta Ya. I. Zak, aki közelről ismerte. „Nagyon harmonikus volt. Őszinte a művészetben, kifogástalanul őszinte az életben… Mindig barátságos, jóindulatú, őszinte és őszinte volt. Az esztétikai és etikai elvek ritka egysége volt, a magas művészet és a legmélyebb tisztesség ötvözete. (Zak Ya. Fényes tehetség / / LN Oborin: Cikkek. Emlékiratok. – M., 1977. P. 121.).

G. Tsypin