Paul Hindemith |

Paul Hindemith

A mi sorsunk az emberi alkotások zenéje És hallgassuk csendben a világok zenéjét. Hívd meg távoli nemzedékek elméjét egy testvéri lelki étkezésre. G. Hesse

P. Hindemith a legnagyobb német zeneszerző, a XNUMX. századi zene egyik elismert klasszikusa. Univerzális léptékű személyiség (karmester, brácsa és viola d'amore előadó, zeneteoretikus, publicista, költő – saját művei szövegeinek szerzője) lévén Hindemith éppoly univerzális volt zeneszerzői tevékenységében. Nincs olyan zenei típus és műfaj, amelyet ne fedne le munkája – legyen az filozófiai jelentőségű szimfónia vagy opera óvodások számára, zene kísérleti elektronikus hangszerekre vagy darabok egy régi vonós együtteshez. Nincs olyan hangszer, amely szólistaként ne jelenne meg műveiben, és amelyen ne tudna játszani (hiszen a kortársak szerint Hindemith azon kevés zeneszerzők egyike volt, aki zenekari partitúráinak szinte minden részét el tudta adni, tehát – határozottan ráosztotta a „mindenzenész” szerepét – a sokoldalú zenész). Magát a zeneszerző zenei nyelvét, amely magába szívta a XNUMX. század különböző kísérleti irányzatait, szintén a befogadás vágya jellemzi. és egyúttal folyamatosan az eredethez – JS Bachhoz, később – J. Brahmshoz, M. Regerhez és A. Brucknerhez rohanva. Hindemith alkotói útja egy új klasszikus születésének útja: a fiatalság polemikus olvadáspontjától egészen művészi hitvallása egyre komolyabb és átgondoltabb érvényesüléséig.

Hindemith tevékenységének kezdete a 20-as évekre esett. – intenzív keresések csíkja az európai művészetben. Ezeknek az éveknek az expresszionista hatásai (O. Kokoschka szövege alapján A gyilkos, a nők reménye című opera) viszonylag hamar átadják a helyét az antiromantikus kijelentéseknek. Groteszk, paródia, minden pátosz maró kigúnyolása (A nap híre opera), szövetség a jazz-szel, a nagyváros zajaival és ritmusaival (zongoraszvit 1922) – minden egyesült a közös szlogen alatt – „le a romantikával. ” A fiatal zeneszerző cselekményprogramja egyértelműen tükröződik szerzői megjegyzéseiben, akárcsak a brácsaszonáta fináléját, op. 21 #1: „A tempó eszeveszett. A hang szépsége másodlagos dolog. A stilisztikai keresések összetett spektrumában azonban már akkor is a neoklasszikus irányultság dominált. Hindemith számára a neoklasszicizmus nemcsak egy volt a sok nyelvi modor közül, hanem mindenekelőtt vezető alkotói elv, az „erős és szép forma” keresése (F. Busoni), a stabil és megbízható gondolkodási normák kialakításának igénye, amely visszanyúlik vissza. a régi mestereknek.

A 20-as évek második felére. végül kialakította a zeneszerző egyéni stílusát. Hindemith zenéjének kemény kifejezése okot ad arra, hogy „a fametszet nyelvéhez” hasonlítsuk. A barokk zenei kultúrájába való bevezetés, amely Hindemith neoklasszikus szenvedélyeinek központjává vált, a többszólamú módszer széles körű elterjedésében nyilvánult meg. A fúgák, a passacaglia, a lineáris polifónia technikája különféle műfajú kompozíciókat telít. Köztük van a „Mária élete” énekciklus (R. Rilke állomásán), valamint a „Cardillac” opera (TA Hoffmann novellája alapján), ahol a fejlődés zenei törvényszerűségei rejlő értéke. a wagneri „zenés dráma” ellensúlyaként fogta fel. A nevezett alkotásokkal együtt a 20-as évek Hindemith legjobb alkotásaira. (Igen, talán, és általában a legjobb alkotásai) hangszeres kamarazenei ciklusokat – szonátákat, együtteseket, versenyműveket – tartalmaznak, ahol a zeneszerző természetes hajlama a tisztán zenei koncepciókban való gondolkodásra találta meg a legtermékenyebb talajt.

Hindemith hangszeres műfajokban végzett rendkívül eredményes munkája elválaszthatatlan előadói arculatától. A zeneszerző brácsaként és a híres L. Amar kvartett tagjaként különböző országokban adott koncerteket (1927-ben a Szovjetunióban is). Azokban az években a donaueschingeni új kamarazenei fesztiválok szervezője volt, az ott megszólaló újdonságok ihlette és egyben a fesztiválok általános légkörét is a zenei avantgárd egyik vezéreként határozta meg.

A 30-as években. Hindemith munkája a nagyobb letisztultság és stabilitás felé irányul: az eddig forrongó kísérleti áramlatok „iszapjának” természetes reakcióját minden európai zene megtapasztalta. Hindemith számára itt fontos szerepet játszottak a Gebrauchsmusik gondolatai, a mindennapi élet zenéje. A zeneszerző az amatőr zenélés különböző formáival azt kívánta megakadályozni, hogy a modern professzionális kreativitás elveszítse a tömeghallgatót. Az önmérséklet bizonyos pecsétje azonban ma már nemcsak alkalmazott és tanulságos kísérleteit jellemzi. A zenén alapuló kommunikáció és kölcsönös megértés eszméi nem hagyják el a német mestert a „magas stílusú” kompozíciók megalkotásakor – ahogyan a végsőkig megőrzi a művészetet szerető emberek jóakaratába vetett hitét, hogy „a gonoszok nincs dal” („Bose Menschen haben keine Lleder”).

A zenei kreativitás tudományosan objektív alapjainak keresése, a zene örök törvényeinek elméleti megértésének és alátámasztásának vágya – fizikai természetéből adódóan – Hindemith harmonikus, klasszikusan kiegyensúlyozott kijelentésének eszményképéhez is vezetett. Így született meg az „Útmutató a kompozícióhoz” (1936-41) – Hindemith tudós és tanár sokéves munkájának gyümölcse.

De talán a legfontosabb ok, amiért a zeneszerző eltávolodott a kezdeti évek önellátó stiláris merészségétől, az új kreatív szuperfeladatok voltak. Hindemith lelki érettségét éppen a 30-as évek hangulata serkentette. – a fasiszta Németország bonyolult és szörnyű helyzete, amely megkövetelte a művésztől minden erkölcsi erő mozgósítását. Nem véletlen, hogy ekkoriban jelent meg a Mathis festő című opera (1938), egy mély társadalmi dráma, amelyet sokan közvetlenül a történésekkel összhangban érzékeltek (beszédes asszociációkat váltott ki pl. Evangélikus könyvek a mainzi piactéren). Maga a mű témája nagyon relevánsnak hangzott – a művész és a társadalom, Mathis Grunewald legendás életrajza alapján. Figyelemre méltó, hogy Hindemith operáját a fasiszta hatóságok betiltották, és hamarosan egy azonos nevű szimfónia formájában kezdte meg életét (ebből 3 részét az Isenheim-oltárképnek nevezik, Grunewald festette: „Angyalok koncertje”). , „A síremlék”, „Szent Antal megkísértései”) .

A fasiszta diktatúrával való konfliktus váltotta ki a zeneszerző hosszú és helyrehozhatatlan emigrációját. Hindemith azonban hosszú évekig hazájától távol élve (főleg Svájcban és az USA-ban) hű maradt a német zene eredeti hagyományaihoz, valamint választott zeneszerzői útjához. A háború utáni években továbbra is a hangszeres műfajokat részesítette előnyben (a Weber-témák szimfonikus metamorfózisai, a Pittsburgh- és a Serena-szimfóniák, új szonáták, együttesek, versenyművek születtek). Hindemith utóbbi évek legjelentősebb műve a „Világharmónia” (1957) szimfónia, amely az azonos című opera anyagán keletkezett (amely I. Kepler csillagász spirituális kutatásáról és nehéz sorsáról szól) . A kompozíciót egy fenséges passacaglia zárja, amely az égitestek körtáncát ábrázolja, és az univerzum harmóniáját szimbolizálja.

Az ebbe a harmóniába vetett hit – a való élet zűrzavara ellenére – áthatotta a zeneszerző minden későbbi munkáját. Egyre kitartóbban szól benne a prédikáló-védő pátosz. A zeneszerző világában (1952) Hindemith hadat üzen a modern „szórakoztató iparnak”, másrészt a legújabb avantgarde zene elitista technokráciájának, amely véleménye szerint ugyanilyen ellenséges a kreativitás igazi szellemével. . Hindemith őrzése nyilvánvaló költségekkel járt. Zenei stílusa az 50-es évekből származik. néha tele van akadémiai szinttel; nem mentes a didaktikától és a zeneszerző kritikai támadásaitól. Pedig éppen ebben a harmóniavágyban, amely – ráadásul Hindemith saját zenéjében – jelentős ellenállást tapasztal, a német mester legjobb alkotásainak legfőbb erkölcsi és esztétikai „idege”. Itt a nagy Bach követője maradt, egyben válaszolt az élet minden „beteg” kérdésére.

T. Balra

• Hindemith operaművei →