Lev Nyikolajevics Vlasenko |

Lev Vlasenko

Vannak városok, amelyek különleges érdemekkel rendelkeznek a zenei világ előtt, például Odessza. Hány zseniális név adományozott a koncertszínpadnak a háború előtti években. Tbilisziben, Rudolf Kerer, Dmitrij Bashkirov, Eliso Virsalazze, Liana Isakadze és számos más kiemelkedő zenész szülőhelye, van mire büszkének lenni. Lev Nikolaevich Vlasenko szintén Grúzia fővárosában kezdte művészi pályáját – a hosszú és gazdag művészeti hagyományokkal rendelkező városban.

Ahogy az a leendő zenészeknél lenni szokott, első tanára édesanyja volt, aki valaha a Tbiliszi Konzervatórium zongora szakán tanított. Egy idő után Vlasenko a híres grúz tanárnőhöz, Anastasia Davidovna Virsaladzehoz megy, diplomázik, osztályában tanul, egy tízéves zeneiskolában, majd a konzervatórium első évében. És sok tehetség útját követve Moszkvába költözik. 1948 óta Yakov Vladimirovich Flier tanítványai közé tartozik.

Nem könnyűek neki ezek az évek. Egyszerre két felsőoktatási intézmény hallgatója: Vlasenko a konzervatórium mellett az Idegennyelvi Intézetben tanul (és kellő időben sikeresen befejezi tanulmányait); A zongoraművész folyékonyan beszél angolul, franciául, olaszul. Pedig a fiatalembernek mindenre van elég energiája és ereje. A konzervatóriumban egyre gyakrabban lép fel diákbulikon, neve ismertté válik zenei berkekben. Tőle azonban többet várnak. Vlasenko ugyanis 1956-ban elnyerte a budapesti Liszt-verseny első díját.

Két évvel később ismét részt vesz az előadó zenészek versenyén. A zongoraművész ezúttal moszkvai otthonában, az Első Nemzetközi Csajkovszkij Versenyen nyerte el a második díjat, és csak Van Cliburnt hagyta maga mögött, aki akkor még hatalmas tehetségének tetőfokában volt.

Vlasenko azt mondja: „Nem sokkal azután, hogy elvégeztem a konzervatóriumot, behívtak a szovjet hadseregbe. Körülbelül egy évig nem nyúltam a hangszerhez – egészen más gondolatokkal, tettekkel, aggodalmakkal éltem. És persze elég nosztalgikus a zene iránt. Amikor leszereltem, háromszoros energiával kezdtem dolgozni. Úgy látszik, a színészi játékomban volt valamiféle érzelmi frissesség, fel nem használt művészi erő, szomjúság a színpadi kreativitás iránt. A színpadon mindig segít: nekem akkor is segített.

A zongoraművész elmondása szerint korábban feltették neki a kérdést: melyik vizsgán – Budapesten vagy Moszkvában – volt nehezebb dolga? „Természetesen Moszkvában” – válaszolta ilyenkor – „A Csajkovszkij-versenyt, amelyen felléptem, először rendezték meg hazánkban. Az első alkalommal – ez mindent elmond. Nagy érdeklődést váltott ki – a legkiemelkedőbb szovjet és külföldi zenészeket tömörítette a zsűriben, a legszélesebb közönséget vonzotta, a rádió, a televízió, a sajtó figyelmének középpontjába került. Rendkívül nehéz és felelősségteljes volt ezen a versenyen játszani – minden zongoranevezés rengeteg idegfeszültséget ért…”

A neves zenei versenyeken aratott győzelmek – és Vlasenko budapesti „arany”, Moszkvában szerzett „ezüstje” pedig nagy győzelemnek számított – megnyitotta előtte a nagyszínpad kapuit. Profi koncertelőadóvá válik. Fellépései itthon és más országokban is számtalan hallgatóságot vonzanak. Ő azonban nemcsak zenészként, értékes kitüntetések tulajdonosaként kapja a figyelem jeleit. A hozzá való attitűd kezdettől fogva másként határozható meg.

A színpadon, akárcsak az életben, egyetemes rokonszenvet élvező természetek – közvetlenek, nyíltak, őszinték. Vlasenko mint művész köztük. Mindig elhiszed neki: ha szenvedélyesen tolmácsol egy művet, akkor olyan igazán szenvedélyes, izgatott – annyira izgatott; ha nem, akkor nem tudja elrejteni. Az úgynevezett előadásművészet nem az ő területe. Nem cselekszik és nem szégyenkezik; mottója ez lehetne: „Azt mondom, amit gondolok, kifejezem, amit érzek.” Hemingway csodálatos szavaival jellemzi egyik hősét: „Igazán, emberileg gyönyörű volt belülről: a mosolya a szívből vagy az ember lelkéből fakadt, majd vidáman és nyíltan eljutott az emberhez. felület, azaz megvilágította az arcot” (Hemingway E. A folyón túl, a fák árnyékában. – M., 1961. S. 47.). Vlasenko legjobb pillanataiban hallgatva előfordul, hogy eszébe jut ezek a szavak.

És még egy dolog nyűgözi le a közönséget, amikor egy zongoristával találkozik – a színpada közvetlenség. Kevesen vannak azok közül, akik bezárkóznak a színpadra, visszahúzódnak magukba az izgalomtól? Mások hidegvérűek, természetüktől fogva visszafogottak, ez érződik művészetükben is: ők – közkeletű kifejezés szerint – nem túl „társaskodóak”, úgy tartják távol a hallgatót maguktól. Vlasenkóval tehetségének (akár művészi, akár emberi) sajátosságaiból adódóan könnyű, mintegy magától értetődően kapcsolatot teremteni a közönséggel. Azok az emberek, akik először hallgatják őt, néha meglepetést okoznak – az a benyomásuk, hogy régóta és jól ismerik őt, mint művészt.

Azok, akik közelről ismerték Vlasenko tanárát, Jakov Vlagyimirovics Flier professzort, azzal érvelnek, hogy sok közös vonás volt bennük – élénk pop temperamentum, érzelmi kiáradások nagylelkűsége, merész, elsöprő játékmód. Tényleg az volt. Nem véletlen, hogy Moszkvába érkezve Vlasenko Flier tanítványa lett, és az egyik legközelebbi tanítványa; később kapcsolatuk barátsággá nőtte ki magát. A két zenész alkotói természetének rokonsága azonban már repertoárjukból is kitűnt.

A koncerttermek régiesei jól emlékeznek arra, hogyan tündökölt egykor a Flier Liszt műsoraiban; mintázat van abban, hogy Vlasenko is Liszt műveivel debütált (verseny 1956-ban Budapesten).

„Szeretem ezt a szerzőt – mondja Lev Nikolaevich –, büszke művészi pózát, nemes pátoszát, látványos romantikus tógáját, szónoki kifejezésmódját. Így esett, hogy Liszt zenéjében mindig könnyen megtaláltam önmagam… Emlékszem, fiatal koromtól kezdve különös örömmel játszottam.

Vlasenko azonban nemcsak kezdődött Liszttől az utat a nagy koncertszínpadra. Ma, sok évvel később pedig ennek a zeneszerzőnek a művei állnak műsorainak középpontjában – az etűdektől, rapszódiáktól, átiratoktól, a „Vándorlások évei” ciklus darabjaitól a szonátákig és más nagy formájú művekig. A moszkvai filharmónia életében tehát az 1986/1987-es évadban figyelemre méltó esemény volt Vlasenko mindkét zongoraversenye, a „Haláltánc” és a „Fantázia magyar témákra” Liszttől; M. Pletnev vezette zenekar kíséretében. (Ezt az estét a zeneszerző születésének 175. évfordulójának szentelték.) A közönségsiker igazán nagy volt. És nem csoda. Szikrázó zongorabravúr, általános feldobott hangszín, hangos színpadi „beszéd”, freskó, erőteljes játékstílus – mindez Vlasenko igazi eleme. Itt a zongoraművész a maga számára legelőnyösebb oldalról jelenik meg.

Van egy másik szerző, aki nem kevésbé közel áll Vlasenkohoz, mint ahogy ugyanez a szerző is közel állt tanárához, Rahmanyinovhoz. Vlasenko plakátjain zongoraversenyek, prelúdiumok és egyéb Rahmanyinov darabok láthatók. Amikor egy zongorista „beat”, akkor igazán jó ebben a repertoárban: széles érzésáradattal árasztja el a közönséget, „elárasztja”, ahogy az egyik kritikus fogalmazott, éles és erős szenvedélyekkel. Mesterien birtokolja Vlasenkot és vastag, „cselló” hangszíneket, amelyek olyan nagy szerepet játszanak Rahmanyinov zongoramuzsikájában. Nehéz és puha kezei vannak: a hangfestés „olajjal” közelebb áll természetéhez, mint a száraz hangú „grafika”; – mondhatnánk a festészettel kezdődő hasonlatot követve, hogy neki kényelmesebb a széles ecset, mint az élesen kihegyezett ceruza. De valószínűleg Vlasenkóban a fő dolog, mivel Rahmanyinov darabjainak interpretációiról beszélünk, az, hogy képes átfogni a zenei forma egészét. Ölelj szabadon és természetesen, anélkül, hogy esetleg néhány apróság megzavarná; pontosan így teljesített egyébként Rahmanyinov és Flier.

Végül ott van a zeneszerző, aki Vlasenko szerint szinte a legközelebb áll hozzá az évek során. Ez itt Beethoven. Valóban, Beethoven szonátái, elsősorban Pathetique, Lunar, Second, Tizenhetedik, Appassionata, Bagatelles, variációs ciklusok, Fantázia (Op. 77) képezték Vlasenko hetvenes-nyolcvanas évekbeli repertoárjának alapját. Érdekes részlet: nem magát a zenéről szóló hosszadalmas beszélgetések specialistájának emlegetve – azoknak, akik tudják és szeretik ezt szavakban értelmezni, Vlasenko ennek ellenére többször is megszólalt Beethovenről szóló történetekkel a Központi Televízióban.

„Az életkor előrehaladtával egyre vonzóbbá válik számomra ez a zeneszerző” – mondja a zongoraművész. „Sokáig volt egy álmom: eljátsszam öt zongoraversenyét. Lev Nikolaevich teljesítette ezt az álmát, és kiválóan az elmúlt szezonok egyikében.

Természetesen Vlasenko, ahogy egy profi vendégelőadónak kell, a legkülönfélébb zenék felé fordul. Előadói arzenáljában Scarlatti, Mozart, Schubert, Brahms, Debussy, Csajkovszkij, Szkrjabin, Prokofjev, Sosztakovics… Sikerei azonban ebben a repertoárban, ahol valami közelebb áll hozzá, és valami távolabb, nem ugyanaz, nem mindig stabil és még. Nem szabad azonban csodálkozni: Vlasenko egészen határozott előadói stílussal rendelkezik, melynek alapja a nagy, elsöprő virtuozitás; valóban úgy játszik, mint egy férfi – erősen, tisztán és egyszerűen. Valahol meggyőz, hol teljesen, hol nem egészen. Nem véletlen, hogy ha közelebbről megnézzük Vlasenko műsorait, észrevehetjük, hogy óvatosan közelíti meg Chopint…

Beszélve thо a művész előadásában, nem lehet nem megjegyezni az elmúlt évek programjaiban a legsikeresebbeket. Íme Liszt h-moll szonátája és Rahmanyinov etűdjei-festményei, Szkrjabin harmadik szonátája és Ginasztera szonátája, Debussy képei és az öröm szigete, Hummel Esz-dúr Rondója és Albeniz Cordova… 1988 óta Vlasenko második plakátja látható. BA Arapov, amelyet nemrég tanult meg, valamint Bagatelles, op. 126 Beethoven, Prelúdiumok, op. 11. és 12. Szkrjabin (szintén új művek). Ezek és más művek interpretációiban talán különösen jól láthatóak Vlasenko modern stílusjegyei: a művészi gondolkodás érettsége és mélysége, amely az idő múlásával nem halványult élénk és erős zenei érzéssel párosul.

1952 óta Lev Nikolaevich tanít. Eleinte a Moszkvai Kórusiskolában, később a Gnessin Iskolában. 1957-től a Moszkvai Konzervatórium tanárai közé tartozik; osztályában N. Suk, K. Oganyan, B. Petrov, T. Bikis, N. Vlasenko és más zongoristák kaptak belépőt a színpadi életbe. M. Pletnyev több évig tanult Vlasenkonál – utolsó évében a konzervatóriumban és asszisztens gyakornokként. Talán ezek voltak Lev Nikolaevich pedagógiai életrajzának legfényesebb és legizgalmasabb oldalai…

A tanítás azt jelenti, hogy folyamatosan válaszolunk néhány kérdésre, megoldjuk az élet, az oktatási gyakorlat és a tanulóifjúság által felvetett számos és váratlan problémát. Mit kell például figyelembe venni az oktatási és pedagógiai repertoár kiválasztásakor? Hogyan építs ki kapcsolatokat a diákokkal? hogyan kell levezetni az órát úgy, hogy az a lehető leghatékonyabb legyen? De talán a legnagyobb aggodalom minden konzervatóriumi tanárban tanítványai nyilvános fellépése kapcsán merül fel. Maguk a fiatal zenészek pedig kitartóan keresik a választ a professzoroktól: mi kell a színpadi sikerhez? lehet-e valahogy előkészíteni, „biztosítani”? Ugyanakkor a nyilvánvaló igazságokkal – például azzal, hogy a programnak – mondják – kellően tanultnak, technikailag „elkészültnek” kell lennie, és hogy „mindennek mennie kell és ki kell jönnie” – kevesen lehetnek elégedettek. Vlasenko tudja, hogy ilyenkor csak a saját tapasztalatai alapján lehet igazán hasznosat és szükségeset mondani. Csak ha az általa tapasztaltakból és tapasztaltakból indul ki. Valójában pontosan ezt várják el tőle azok, akiket tanít. „A művészet a személyes élet megtapasztalása, amelyet képekben, szenzációkban mondanak el” – írta AN Tolsztoj. általánosításnak mondható személyes tapasztalat» (Tolstich VI. Művészet és erkölcs. – M., 1973. S. 265, 266.). A tanítás művészete, még inkább. Ezért Lev Nikolaevich szívesen hivatkozik saját előadói gyakorlatára – mind az osztályteremben, a diákok körében, mind a nyilvános beszélgetésekben és interjúkban:

„A színpadon folyamatosan történik valami kiszámíthatatlan, megmagyarázhatatlan dolog. A koncertterembe például kipihenten, az előadásra felkészülten, magamban bízva érkezhetek a koncertterembe – és a clavierabend nagy lelkesedés nélkül elmúlik. És fordítva. Olyan állapotban tudok felmenni a színpadra, hogy úgy tűnik, egy hangot sem fogok tudni kiszedni a hangszerből – és hirtelen „megy” a játék. És minden könnyűvé, kellemessé válik… Mi van itt? Nem tudom. És valószínűleg senki sem tudja.

Bár van mit előre látni, hogy megkönnyítsük a színpadon tartózkodás első perceit – és ezek a legnehezebbek, legnyugtalanabbak, megbízhatatlanabbak… –, azt hiszem, ez még mindig lehetséges. Ami számít például, az maga a program felépítése, az elrendezése. Minden előadó tudja, hogy ez mennyire fontos – és éppen a pop-well-being problémájával összefüggésben. A versenyművet elvileg egy olyan darabbal szoktam kezdeni, amelyben a lehető legnyugodtabbnak és magabiztosabbnak érzem magam. Játék közben igyekszem minél közelebbről hallgatni a zongora hangját; alkalmazkodni a helyiség akusztikájához. Röviden: arra törekszem, hogy teljes mértékben belépjek, elmerüljek az előadási folyamatban, érdeklődjek az iránt, amit csinálok. Ez a legfontosabb – érdeklődni, elragadtatni, teljes mértékben a játékra koncentrálni. Aztán az izgalom fokozatosan csökkenni kezd. Vagy talán egyszerűen nem veszed észre. Innen már egy lépés a szükséges kreatív állapot felé.

Vlasenko nagy jelentőséget tulajdonít mindannak, ami így vagy úgy megelőzi a nyilvános beszédet. „Emlékszem, egyszer erről a témáról beszélgettem Fischer Annie csodálatos magyar zongoristával. Különleges rutinja van a koncert napján. Szinte semmit sem eszik. Egy főtt tojás só nélkül, és ennyi. Ez segít neki megtalálni a szükséges pszicho-fiziológiai állapotot a színpadon – idegesen, vidáman, izgatottan, talán egy kicsit magasztosan is. Megjelenik az a különleges finomság, érzésélesség, ami egy koncertfellépőnél feltétlenül szükséges.

Mindez egyébként könnyen megmagyarázható. Ha az ember jóllakott, általában hajlamos önelégülten ellazult állapotba esni, nem? Önmagában lehet egyszerre kellemes és „kényelmes”, de közönség előtti fellépésre nem nagyon alkalmas. Mert csak az tud választ kiváltani a közönségből, empátiára taszítani, aki belsőleg felvillanyozott, akinek minden lelki húrja feszülten vibrál…

Ezért néha ugyanaz történik, mint fentebb már említettem. Úgy tűnik, minden elősegíti a sikeres előadást: a művész jól érzi magát, belsőleg nyugodt, kiegyensúlyozott, szinte bízik saját képességeiben. A koncert pedig színtelen. Nincs érzelmi áramlat. És persze a hallgatói visszajelzések is…

Egyszóval hibakeresni kell, át kell gondolni az előadás előestéjén a napi rutint – különösen a diétát – szükséges.

De persze ez csak az egyik oldala a dolognak. Inkább külső. Nagyjából egy művész egész élete – ideális esetben – olyan legyen, hogy mindig, bármely pillanatban kész legyen lelkével válaszolni a magasztos, spirituális, költői szépre. Valószínűleg nem kell bizonyítani, hogy a művészet iránt érdeklődő, az irodalmat, a költészetet, a festészetet, a színházat kedvelő ember sokkal hajlamosabb a magasztos érzelmekre, mint egy átlagember, akinek minden érdeklődése a szférában összpontosul. a hétköznapi, az anyagi, a mindennapi.

A fiatal művészek gyakran hallják fellépésük előtt: „Ne a közönségre gondolj! Ez zavar! A színpadon csak arra gondolj, amit magad csinálsz…”. Vlasenko ezt mondja erről: „Könnyű tanácsot adni…”. Tisztában van ennek a helyzetnek a bonyolultságával, kétértelműségével és kettősségével:

„Van közönség számomra személy szerint előadás közben? Észreveszem őt? Igen és nem. Egyrészt, amikor az ember teljesen belemerül az előadási folyamatba, olyan, mintha nem is a közönségre gondolna. Teljesen elfelejt mindenről, kivéve azt, amit a billentyűzeten csinál. És mégis… Minden koncertzenésznek van egy bizonyos hatodik érzéke – „a közönség érzéke”, mondhatnám. Ezért folyamatosan érzi a teremben lévők reakcióját, az emberek hozzáállását és a játékot.

Tudod, mi a legfontosabb számomra egy koncert alatt? És a legleleplezőbb? Csend. Mert mindent meg lehet szervezni – a reklámot, a helyiségek foglaltságát, a tapsot, a virágokat, a gratulációkat, és így tovább, és így tovább, mindent, kivéve a csendet. Ha a terem lefagy, visszatartja a lélegzetét, az azt jelenti, hogy tényleg történik valami a színpadon – valami jelentős, izgalmas…

Ha a játék során úgy érzem, hogy felkeltettem a közönség figyelmét, az hatalmas energialöketet ad. Egyfajta kábítószerként szolgál. Az ilyen pillanatok nagy boldogságot jelentenek az előadó számára, álmainak tetőpontját. Azonban, mint minden nagy öröm, ez is ritkán történik meg.

Előfordul, hogy Lev Nyikolajevicset megkérdezik: hisz-e a színpadi inspirációban – ő, egy profi művész, akinek a nyilvánosság előtt való fellépés lényegében olyan munka, amelyet évek óta rendszeresen, nagy léptékben végeznek… természetesen maga az „ihlet” szó » teljesen megkopott, lebélyegzett, megkopott a gyakori használattól. Mindezek mellett, hidd el, minden művész készen áll arra, hogy szinte imádkozzon ihletért. Az érzés itt egyedülálló: mintha te lennél az előadott zene szerzője; mintha mindent te magad teremtett volna benne. És mennyi új, váratlan, igazán sikeres dolog születik ilyen pillanatokban a színpadon! És szó szerint mindenben – a hangszínezésben, a megfogalmazásban, a ritmikai árnyalatokban stb.

Mondom: ihlet híján is lehet jó, szakmailag masszív koncertet adni. Számtalan ilyen eset létezik. De ha ihlet érkezik a művészhez, a koncert felejthetetlenné válhat…”

Tudniillik, nincs megbízható módszer az inspiráció előhívására a színpadon. De lehet olyan feltételeket teremteni, amelyek mindenképpen kedvezőek lennének számára, előkészítenék a megfelelő talajt – vélekedik Lev Nyikolajevics.

„Először is egy pszichológiai árnyalat fontos itt. Tudni és hinni kell: amit te tudsz a színpadon, azt senki más nem fogja megtenni. Ne mindenhol így legyen, hanem csak egy bizonyos repertoárban, egy-két-három szerző műveiben – mindegy, nem ez a lényeg. A legfontosabb, ismétlem, maga az érzés: ahogy te játszol, a másik nem fog játszani. Neki, ennek a képzeletbeli „másiknak” lehet erősebb technikája, gazdagabb repertoárja, kiterjedtebb tapasztalata – bármi. De ő nem fogja úgy énekelni ezt a mondatot, ahogy te, nem talál olyan érdekes és finom hangárnyalatot…

Az érzés, amiről most beszélek, bizonyára ismerős egy koncertzenésznek. Inspirál, felemel, segít a nehéz pillanatokban a színpadon.

Gyakran gondolok tanáromra, Jakov Vladimirovics Flierre. Mindig igyekezett felvidítani a diákokat – elhitette velük magukat. A kételyek pillanataiban, amikor nem ment minden rendben velünk, valahogy jókedvre, optimizmusra és jó alkotókedvre keltett. És ez nekünk, osztályának tanulóinak kétségtelen előnyt jelentett.

Szerintem szinte minden nagy koncertszínpadon fellépő művész lelke mélyén meg van győződve arról, hogy egy kicsit jobban játszik, mint mások. Vagy mindenesetre, talán jobban tud játszani… És ezért nem kell senkit hibáztatni – ennek az önkiigazításnak megvan az oka.

… 1988-ban egy nagy nemzetközi zenei fesztiválra került sor Santanderben (Spanyolország). Különös figyelmet keltett a közvéleményben – a résztvevők között volt I. Stern, M. Caballe, V. Ashkenazy és más kiemelkedő európai és tengerentúli művészek. Lev Nikolaevich Vlasenko koncertjei igazi sikerrel kerültek megrendezésre e zenei fesztivál keretében. A kritikusok csodálattal nyilatkoztak tehetségéről, ügyességéről, boldog képességéről, hogy „elragadjon és magával ragadjon…” A spanyolországi fellépések, akárcsak Vlasenko többi turnéja a nyolcvanas évek második felében, meggyőzően megerősítették, hogy a művészete iránti érdeklődés nem enyhült. A modern, szovjet és külföldi koncertéletben továbbra is előkelő helyen áll. De ezt a helyet megtartani sokkal nehezebb, mint megnyerni.

G. Tsypin, 1990