Dmitrij Baskirov (Dmitri Bashkirov) |

Dmitrij Baskirov

Az ötvenes évek elején a Moszkvai Konzervatóriumban megismert fiatal zenészek közül sokan valószínűleg emlékeznek arra, hogy az osztálytermi folyosókon először jelent meg egy sápadt, vékony, lendületes mozdulatokkal és mozgékony, kifejező arckifejezésű fiatalember. Dmitrij Baskirovnak hívták, társai hamarosan egyszerűen Deliknek hívták. Keveset tudtak róla. Azt mondták, hogy a tbiliszi tízéves zeneiskolában végzett Anastasia Davidovna Virsaladze vezetésével. Egyszer az egyik vizsgán Alexander Borisovich Goldenweiser meghallotta – hallotta, el volt ragadtatva, és azt tanácsolta neki, hogy a fővárosban fejezze be tanulmányait.

Goldenweiser új tanítványa nagyon tehetséges volt; Ránézve – közvetlen, ritka érzelmekre – nem volt nehéz észrevenni: ilyen szenvedélyesen és önzetlenül, ilyen nagylelkű önátadással csak igazán tehetséges természet képes úgy reagálni a környezetre, mint ő…

Dmitrij Aleksandrovics Bashkirov az évek során széles körben ismertté vált koncertelőadóként. Még 1955-ben a párizsi M. Long – J. Thibault versenyen Grand Prix-t kapott; ezzel beindult színpadi karrierje. Mára több száz fellépést tudhat maga mögött, tapsoltak neki Novoszibirszkben és Las Palmasban, Chisinauban és Philadelphiában, Volga kisvárosaiban és nagy, világhírű koncerttermekben. Az idő sokat változott az életében. A karakterében sokkal kevésbé. Mint korábban, impulzív, mintha a gyorsezüst változékony és gyors lenne, minden percben készen áll arra, hogy elragadjon valamitől, lángra kapjon…

A baskír természet említett tulajdonságai jól láthatóak művészetében. Ennek a művészetnek a színei nem fakultak és fakultak az évek során, nem veszítettek gazdagságukból, intenzitásukból, irizálóságukból. A zongorista ugyanúgy játszik, mint korábban, izgatott; különben hogyan aggódhatna? Talán nem volt alkalom arra, hogy bárki szemrehányást tegyen Bashkirovnak a művésznek közömbösségért, lelki apátiáért, kreatív kereséssel való jóllakottságért. Ehhez emberként és művészként túlságosan nyugtalan, állandóan valamiféle olthatatlan belső tűzben ég. Ez lehet az oka néhány színpadi kudarcának. Másrészt kétségtelenül éppen innen, az alkotói nyugtalanságból és a legtöbb eredményeiből.

A zenekritikus sajtó oldalain Baskirovot gyakran romantikus zongoraművésznek nevezik. Valóban, egyértelműen képviseli modern romantika. (VV Sofronitsky, aki V. Yu. Delsonnal beszélgetett, elejtette: „Végül is létezik modern romantika, és nem csak a XNUMX. századi romantika, egyetértesz?” (Szofronitszkij emlékei. S. 199.)). Bármit is tolmácsol Baskirov zeneszerző – Bachot vagy Schumannt, Haydnt vagy Brahmsot –, úgy érzi a zenét, mintha ma keletkezett volna. A hozzá tartozó koncertlátogatók számára a szerző mindig kortárs: érzéseit sajátjaként éli meg, gondolatai sajátjává válnak. Semmi sem idegenebb ezektől a koncertlátogatóktól, mint a stilizáció, az „ábrázolás”, az archaikus hamisítvány, a múzeumi relikvia bemutatása. Ez egy dolog: a művész zenei szenzációja mi korszak, a miénk napok. Van még valami, ami szintén lehetővé teszi, hogy Baskirovról mint a kortárs előadóművészet tipikus képviselőjéről beszéljünk.

Precíz, mesterien kidolgozott zongorajátéka van. Régen azt hitték, hogy a romantikus zenélés féktelen impulzusok, spontán érzéskitörések, élénk színes, bár kissé formátlan hangfoltok extravaganciája. Az ínyencek azt írták, hogy a romantikus művészek a „homályos, irizáló, olvashatatlan és ködös alkotások felé hajlanak”, hogy „távol állnak az apróságok ékszerrajzolásától”. (Martins KA Egyéni zongoratechnika. – M., 1966. S. 105, 108.). Most az idők megváltoztak. A kritériumok, az ítéletek, az ízlések módosultak. A kérlelhetetlenül szigorú gramofonfelvételek, rádió- és televízióadások korában senki, senkinek és semmilyen körülmények között nem bocsátja meg a hangos „ködöket” és a „homályosságokat”. Baskirov, napjaink romantikusa többek között előadói apparátusának gondos „megmunkálása”, minden részletének és linkjének ügyes hibakeresése révén modern.

Ezért jó a zenéje, megköveteli a külső díszítés feltétlen teljességét, „apróságok ékszerrajzát”. Előadói sikereinek sorát olyan dolgok nyitják, mint Debussy prelúdiumai, Chopin mazurkái, „Múló” és Prokofjev negyedik szonátája, Schumann „Színes levelei”, Fantázia és F-moll regénye, sok Schuberttől, Liszttől, Szkrjabintól, Raveltől. . Klasszikus repertoárjában sok érdekesség vonzza a hallgatókat – Bach (f-moll versenymű), Haydn (Esz-dúr szonáta), Mozart (koncertek: Kilencedik, Tizennegyedik, Tizenhetedik, Huszonnegyedik), Beethoven (szonáták: „ Lunar” , „Pastoral”, tizennyolcadik, koncertek: első, harmadik, ötödik). Egyszóval Baskirov színpadi közvetítésében minden az nyer, ahol az előtérben egy elegáns és tiszta hangminta, a hangszeres textúra elegáns hajszolása van.

(Korábban azt mondták, hogy a zongorázók, mint a festők, különböző „írási” technikákat alkalmaznak: van, aki a kihegyezett hangceruzát, mások a gouache-t vagy az akvarellt, megint mások a nehéz pedálos olajfestékeket szeretik. Baskirovhoz gyakran társul zongoristával-metszővel: vékony hangminta élénk érzelmi háttéren…)

Sok igazán tehetséges emberhez hasonlóan Baskirovot is megváltoztatja a kreatív boldogság. Tud önkritikus lenni: „Szerintem sikerült ez a darab – hallhatjuk tőle a koncert után –, de ez nem az. Az izgalom közbelépett… Valami „eltolódott”, kiderült, hogy nincs „fókuszban” – nem úgy, ahogyan azt tervezték. Köztudott, hogy az izgalom mindenkit zavar – debütánsokat és mestereket, zenészeket, színészeket és még írókat is. „Nem abban a percben vagyok a legjobban izgatott, amikor olyan dolgokat írhatok, amelyek megérintik a nézőt” – ismerte el Stendhal; ebben sok hang visszhangzik. És mégis, egyesek számára az izgalom nagy akadályokkal és bajokkal jár, mások számára kevesebb. A könnyen ingerlékeny, ideges, expanzív természetnek nehezebb dolguk van.

A színpadon a nagy izgalmak pillanataiban Baskirov akarata ellenére felgyorsítja az előadást, némi izgalomba esik. Ez általában az előadásai elején történik. Fokozatosan azonban játéka normálissá válik, a hangformák tisztábbá válnak, a vonalak – magabiztosság és pontosság; gyakorlott füllel mindig felfoghatja az ember, ha egy zongoraművésznek sikerül lecsapnia a túlzott színpadi szorongás hullámát. Érdekes kísérlet történt véletlenül Baskirov egyik estéjén. Egymás után kétszer játszotta ugyanazt a zenét – Mozart tizennegyedik zongoraversenyének fináléját. Az első alkalommal – kicsit kapkodva és izgatottan, a másodikon (ráadásul) – visszafogottabb tempóban, nagyobb higgadtsággal és önuralommal. Érdekes volt megfigyelni a helyzetetmínusz izgalom„átalakította a játékot, más, magasabb művészi eredményt adott.

Baskirov interpretációinak alig van köze a megszokott sablonokhoz, ismert előadási mintákhoz; ez nyilvánvaló előnyük. Lehetnek (és azok is) ellentmondásosak, de nem színtelenek, túl szubjektívek, de nem makacsok. A művész koncertjein szinte lehetetlen közömbös emberekkel találkozni, nem szólítják meg azokkal az udvarias és jelentéktelen dicséretekkel, amelyeket általában a középszerűségnek tulajdonítanak. Baskirov művészetét vagy melegen és lelkesen fogadják, vagy nem kisebb hévvel és érdeklődéssel beszélgetnek a zongoristával, bizonyos tekintetben nem értenek vele egyet, és nem értenek vele egyet. Művészként ismeri az alkotói „ellenzéket”; elvileg ezt lehet és kell is jóváírni.

Egyesek azt mondják: Baskirov játékában azt mondják, sok a külső; néha teátrális, igényes… Valószínűleg az ilyen megnyilatkozásokban – a teljesen természetes ízlésbeli különbségeken kívül – az előadása természetének félreértése van. Lehetséges-e nem figyelembe venni ennek vagy annak a művészi |-nek az egyes tipológiai jellemzőit személyiség? Baskirov a hangversenyen – ilyen a természete – mindig hatásosan „nézett” kívülről; fényesen és fényesen feltárta magát a külsőben; mi lenne egy színpadi kirohanás vagy dörömbölés a másik számára, csak organikus és természetes kifejezése van alkotó „én”-ének. (A világszínház szinte különc színpadi modorával emlékezik Sarah Bernhardtra, emlékezik a szerény, néhol feltűnő külsőre Olga Oszipovna Szadovszkára – mindkét esetben igazi, nagy művészet volt.) távoli, szinte megkülönböztethetetlen szubtextusba vezet. Ha a kritikus álláspontját kell képviselnünk, akkor inkább más alkalommal.

Igen, a zongoraművész művészete nyitott és erős érzelmeket kelt a közönségben. Kiváló minőség! A koncertszínpadon gyakran inkább hiányt tapasztalsz, mint felesleget. (Általában az érzések megnyilvánulásában „elmaradnak”, és nem fordítva.) Pszichológiai állapotaiban – eksztatikus izgalom, impulzivitás stb. – azonban Baskirov néha, legalábbis korábban, valamennyire egységes volt. Illusztrációként említhető Glazunov b-moll szonátájának interpretációja: történetesen hiányzott belőle az epikusság, a terjedelem. Vagy a második Brahms-verseny – a szenvedélyek vakítóan fényes tűzijátéka mögött az elmúlt években nem mindig érződött benne a művész befelé forduló reflexiója. Baskirov interpretációiból vörösen izzó arckifejezés, erős idegi feszültség áradt ki. A hallgató pedig olykor vágyat kezdett érezni valamilyen más, távolabbi érzelmi tonalitásba, más, kontrasztosabb érzésszférába való modulálásra.

Azonban beszélünk most a korábban Az egykori. A Baskirov előadóművészetét jól ismerő emberek folyamatosan változásokat, elmozdulásokat, érdekes művészi átalakulásokat találnak benne. Vagy pontosabban lehet látni a művész repertoárjának válogatását, vagy feltárulnak korábban ismeretlen expresszivitási módszerek (az utóbbi években például a klasszikus szonátaciklusok lassú részei valahogy kifejezetten tisztán, lélekben szólaltak meg). Művészete kétségtelenül új felfedezésekkel, összetettebb és változatosabb érzelmi árnyalatokkal gazdagodik. Ez különösen a KFE Baskirov előadásában, a Fantázia és Mozart c-moll szonátája, a Hegedűverseny zongoraváltozata, op. 1987, Beethoven stb.)

Baskirov nagyszerű beszélgetőpartner. Természeténél fogva érdeklődő és érdeklődő; sok minden érdekli; ma, akárcsak ifjúkorában, alaposan szemügyre vesz mindent, ami a művészettel, az élettel kapcsolatos. Ráadásul Baskirov tudja, hogyan kell világosan és világosan megfogalmazni gondolatait – nem véletlenül publikált több cikket a zenei teljesítmény problémáiról.

„Mindig is azt mondtam – jegyezte meg egy beszélgetés során Dmitrij Alekszandrovics –, hogy a színpadi kreativitásban a fő és legfontosabbat a művész tehetségének tárháza határozza meg. egyéni személyes jellemzők és tulajdonságok. Ezzel kapcsolódik össze az előadó egyes művészeti jelenségekhez való hozzáállása, az egyes művek értelmezése. A kritikusok és a közvélemény egy része néha nem veszi figyelembe ezt a körülményt – a művész játékát absztrakt módon, az alapján ítélve meg valami által Szeretném hallani a zenét. Ez teljesen hamis.

Az évek múlásával általában egyre kevésbé hiszek néhány kimerevített és egyértelmű képlet létezésében. Például – hogyan kell (vagy éppen ellenkezőleg, nem szükséges) értelmezni egy ilyen és olyan szerzőt, ilyen és olyan esszét. A gyakorlat azt mutatja, hogy a teljesítményre vonatkozó döntések nagyon eltérőek és egyformán meggyőzőek lehetnek. Bár ez természetesen nem jelenti azt, hogy a művésznek joga lenne az önakarathoz vagy a stilisztikai önkényhez.

Másik kérdés. Szükséges-e az érettség idején, 20-30 éves szakmai tapasztalattal a háta mögött zongorázni? többmint fiatalkorban? Vagy fordítva – ésszerűbb-e az életkor előrehaladtával csökkenteni a terhelések intenzitását? Különféle nézetek és nézetek vannak ezzel kapcsolatban. „Számomra úgy tűnik, hogy a válasz itt csak tisztán egyéni lehet” – véli Bashkirov. „Vannak előadók, akiket született virtuóznak nevezünk; minden bizonnyal kevesebb erőfeszítésre van szükségük ahhoz, hogy jó formában tartsák magukat. És vannak mások is. Akinek soha nem adatott meg semmi csak úgy, persze erőfeszítés nélkül. Természetesen egész életükben fáradhatatlanul kell dolgozniuk. És a későbbi években még inkább, mint fiatalon.

Tulajdonképpen azt kell mondanom, hogy a nagy zenészek között szinte soha nem találkoztam olyanokkal, akik az évek múlásával, az életkorral gyengítették volna az önmaguk iránti igényeiket. Általában az ellenkezője történik."

1957 óta Baskirov a Moszkvai Konzervatóriumban tanít. Sőt, az idő múlásával a pedagógia szerepe és jelentősége egyre inkább nő számára. „Fiatalkoromban gyakran lobogtam, hogy – mondják – mindenre volt időm – tanításra és koncertfellépésekre való felkészülésre is. És hogy az egyik nemhogy nem akadályozza a másikat, de talán még fordítva is: az egyik támogatja, erősíti a másikat. Ma már nem vitatnám ezt… Az idő és a kor még mindig beállítja a magáét – nem lehet másként értékelni valamit. Manapság hajlamos vagyok azt gondolni, hogy a tanítás bizonyos nehézségeket okoz a koncertezésben, korlátozza azt. Itt van egy konfliktus, amit folyamatosan próbálsz megoldani, és sajnos nem mindig sikeresen.

A fentebb elmondottak persze nem jelentik azt, hogy megkérdőjelezem magam számára a pedagógiai munka szükségességét vagy célszerűségét. Semmiképpen! Annyira fontos, szerves részévé vált a létezésemnek, hogy nincsenek vele kapcsolatos dilemmák. Csak közlöm a tényeket úgy, ahogy vannak.”

Jelenleg Bashkirov körülbelül 55 koncertet ad szezononként. Ez a szám meglehetősen stabil számára, és gyakorlatilag nem változott évek óta. „Tudom, hogy vannak, akik sokkal többet teljesítenek. Nem látok ebben semmi meglepőt: mindenkinek más és más az energia-, állóképesség-, testi-lelki erőtartaléka. Szerintem nem az a lényeg, hogy mennyit kell játszani, hanem az, hogy hogyan. Azaz elsősorban az előadások művészi értéke a fontos. Ugyanis folyamatosan nő a felelősség érzése azért, amit a színpadon csinál.

Ma már nagyon nehéz méltó helyet elfoglalni a nemzetközi zenei és előadói színtéren – folytatja Dmitrij Aleksandrovics. Elég gyakran kell játszania; játszani különböző városokban és országokban; különböző programokat futtatni. És természetesen mindent adjon. meglehetősen magas szakmai színvonalon. Csak ilyen feltételek mellett lesz látható a művész, ahogy mondják. Persze annak, aki pedagógiával foglalkozik, ez nehezebb, mint egy nem tanárnak. Ezért sok fiatal koncertlátogató lényegében figyelmen kívül hagyja a tanítást. És valahol meg is lehet érteni őket – tekintettel a művészeti világban egyre fokozódó versenyre…”

Visszatérve a saját pedagógiai munkájáról szóló beszélgetésre, Baskirov azt mondja, hogy általában véve teljesen boldognak érzi magát. Boldog, mert vannak tanítványai, akikkel a kreatív kommunikáció nagy örömet okozott neki – és továbbra is nyújt –. „Ha megnézi a legjobbakat közülük, el kell ismernie, hogy a hírnévhez vezető út senki számára nem volt rózsával teleszórva. Ha elértek valamit, az többnyire saját erőfeszítéseikkel történik. És a képesség kreatív önfejlesztés (amit egy zenésznél a legfontosabbnak tartok). Az én művészi életképesség nem a sorszámmal bizonyították ezen vagy azon a versenyen, hanem azzal, hogy ma a világ számos országának színpadán játszanak.

Különleges szót szeretnék mondani néhány tanítványomról. Egészen röviden. Szó szerint néhány szóban.

Dmitrij Alekszejev. tetszik benne belső konfliktusamit én mint tanára jól ismerek. Konfliktus a szó legjobb értelmében. Lehet, hogy első látásra nem nagyon látszik – inkább rejtett, mint feltűnő, de létezik, létezik, és ez nagyon fontos. Alekseev tisztában van erősségeivel és gyengeségeivel, megérti, hogy a köztük lévő küzdelem és előrelépést jelent a szakmánkban. Ez a mozgás másokhoz hasonlóan zökkenőmentesen és egyenletesen áramolhat vele, vagy válságok és váratlan áttörések formájában jelentkezhet új kreatív szférákba. Nem mindegy, hogyan. Fontos, hogy a zenész előre menjen. Dmitrij Alekszejevről úgy tűnik számomra, hogy ez anélkül mondható el, hogy túlzásba esnék. Magas nemzetközi presztízse nem véletlen.

Nyikolaj Demidenko. Volt egy időben némi leereszkedő hozzáállás vele szemben. Néhányan nem hittek művészi jövőjében. Mit mondjak erre? Ismeretes, hogy egyes előadók korábban, gyorsabban érnek (néha túl gyorsan is érnek, mint az egyelőre kiégő stréberek egy része), másoknál lassabban, nyugodtabban halad ez a folyamat. Évekbe telik, mire teljesen kifejlődnek, érnek, megállnak a saját lábukon, kihozzák a legjobbat, amijük van... Napjainkban Nikolay Demidenko gazdag gyakorlattal rendelkezik, sokat játszik hazánk különböző városaiban és külföldön. Ritkán hallom őt, de amikor elmegyek a fellépéseire, látom, hogy sok minden, amit most csinál, nem egészen ugyanaz, mint korábban. Néha szinte nem is ismerem fel azokat a műveket, amelyeket az órán átadtunk. És nekem, mint tanárnak ez a legnagyobb jutalom…

Szergej Erokhin. A VIII. Csajkovszkij-versenyen a díjazottak között volt, de ezen a versenyen nagyon nehéz volt számára a helyzet: éppen leszerelt a szovjet hadsereg soraiból, és természetesen messze nem volt a legjobb kreatív formája. A verseny óta eltelt idő alatt Szergej, úgy tűnik, nagyon nagy sikert aratott. Hadd emlékeztesselek legalább a Santanderben (Spanyolország) elnyert versenyen szerzett második díjára, amelyről az egyik befolyásos madridi újság ezt írta: „Sergej Erokhin előadásai nemcsak az első díjat, hanem az egész versenyt is megérte.” Röviden, nincs kétségem afelől, hogy Szergej előtt fényes művészi jövő áll. Ráadásul szerintem nem versenyekre, hanem koncertszínpadra született.

Alekszandr Bondurjanszkij. Teljesen a kamarazenének szentelte magát. Alexander évek óta a Moszkvai Trió tagjaként lép fel, megerősítve azt akaratával, lelkesedésével, odaadásával, elhivatottságával és magas szakmai színvonalával. Érdeklődéssel követem tevékenységét, újra és újra meggyőződöm arról, mennyire fontos, hogy egy zenész megtalálja a saját útját. Szeretném azt hinni, hogy Bondurjanszkij kamaraegyüttes zenélés iránti érdeklődésének kiindulópontja az I. Bezrodnijjal és M. Khomitserrel közös alkotói munkám megfigyelése volt.

Eiro Heinonen. Itthon, Finnországban az egyik leghíresebb zongorista és tanár (ma a helsinki Sibelius Akadémia professzora). Örömmel emlékszem a vele való találkozásaimra.

Dang Thai Sean. Nála tanultam, amikor a Moszkvai Konzervatórium végzős hallgatója volt; találkozott vele később. Rendkívül kellemes benyomásokat szereztem Seannal – egy emberrel és egy művészsel – való kapcsolataimból. Okos, intelligens, bájos és elképesztően tehetséges. Volt idő, amikor valami válsághoz hasonlót élt át: egyetlen stílusú zárt térben találta magát, és ott is olykor nem tűnt túl sokrétűnek és sokrétűnek… Sean nagyrészt túljutott ezen a válságos időszakon; az előadói gondolkodás mélysége, az érzések léptéke, a drámaiság megjelent játékában… Csodálatos zongorista jelene van, és kétségkívül nem kevésbé irigylésre méltó jövője.

Más érdekes, ígéretes fiatal zenészek vannak ma az osztályomban. De még mindig nőnek. Ezért nem fogok róluk beszélni.

Mint minden tehetséges tanárnak, Bashkirovnak is megvan a saját stílusa a diákokkal való munkavégzéshez. Nem szeret az absztrakt kategóriák, fogalmak felé fordulni az osztályteremben, nem szeret messzire eltávolodni a tanult munkától. Ritkán használ – saját szavai szerint – párhuzamot más művészetekkel, akárcsak néhány kollégája. Abból indul ki, hogy a zenének, a leguniverzálisabb művészeti formának megvannak a maga törvényei, saját „szabályai”, saját művészi sajátossága; ezért a hallgatót a szférán keresztül egy tisztán zenei megoldáshoz próbálja elvezetni nem zenei kissé mesterségesek. Ami pedig az irodalommal, festészettel stb. való hasonlatokat illeti, ezek csak lendületet adhatnak a zenei kép megértéséhez, de nem helyettesíthetik mással. Előfordul, hogy ezek a hasonlatok, párhuzamok még némi kárt is okoznak a zenében – leegyszerűsítik… „Szerintem jobb, ha arckifejezéssel, karmesteri gesztussal és természetesen élőben magyarázza el a hallgatónak, mit akar. a billentyűzet.

De lehet tanítani így is, úgy is… Ismétlem, ebben az esetben nem lehet egységes és univerzális képlet.”

Folyamatosan és kitartóan visszatér ehhez a gondolathoz: a művészetszemléletben nincs rosszabb az elfogultságnál, a dogmatizmusnál, az egydimenziósságnál. „A zene világa, különösen az előadásmód és a pedagógia, végtelenül sokszínű. Itt a legkülönfélébb értékterületek, művészi igazságok és sajátos alkotói megoldások teljes mértékben egymás mellett létezhetnek és kell is. Előfordul, hogy egyesek így vitatkoznak: tetszik – ez azt jelenti, hogy jó; Ha nem tetszik, akkor biztosan rossz. Az ilyen, mondhatni logika mélyen idegen tőlem. Igyekszem a tanítványaim számára is idegenné tenni.”

… Baskirov fentebb tanítványa, Dmitrij Alekszejev belső konfliktusáról beszélt – a konfliktus „a szó legjobb értelmében”, ami „a szakmánk előrehaladását jelenti”. Azok, akik közelről ismerik Dmitrij Alekszandrovicsot, egyetértenek abban, hogy egy ilyen konfliktus először is észrevehető önmagában. Ő volt az, aki önmaga iránti ragaszkodó szigorral párosulva (Egyszer, 7-8 évvel ezelőtt Baskirov azt mondta, hogy valami olyasmit adott magának az előadásokért: „Az igazat megvallva a pontok általában alacsonyak... Egy év múlva az ember Több tucat koncertet kell adnom.” Legfeljebb néhányval vagyok igazán elégedett… „Ezzel kapcsolatban önkéntelenül is eszembe jut egy epizód, amit GG Neuhaus szeretett felidézni:” Leopold Godovsky, a dicsőséges tanárom egyszer azt mondta nekem: „Én Ebben az évadban 83 koncertet adtam, és tudod, mennyivel voltam elégedett? (Neigauz GG Elmélkedések, emlékek, naplók // Válogatott cikkek. Levelek szülőkhöz. 107. o.).) – és segítette őt generációja zongoraművészetének egyik legkiemelkedőbb alakjává válni; Kétségtelen, hogy ő hoz a művésznek még sok kreatív felfedezést.

G. Tsypin, 1990