Szergej Vasziljevics Rahmanyinov |

Szergej Rachmaninoff

És volt szülőföldem; Ő csodálatos! A. Pleshcheev (G. Heine-től)

Rahmanyinovot acélból és aranyból hozták létre; Acél a kezében, arany a szívében. I. Hoffman

„Orosz zeneszerző vagyok, és a szülőföldem rányomta bélyegét jellememre és nézeteimre.” Ezek a szavak S. Rahmanyinovhoz, a nagyszerű zeneszerzőhöz, briliáns zongoraművészhez és karmesterhez tartoznak. Az orosz társadalmi és művészeti élet minden legfontosabb eseménye tükröződött alkotó életében, kitörölhetetlen nyomot hagyva. Rahmanyinov munkásságának kialakulása és virágzása az 1890-1900-as évekre esik, amikor az orosz kultúrában a legösszetettebb folyamatok zajlottak, a lelki pulzus lázasan és idegesen vert. A Rahmanyinovban rejlő korszak élesen lírai érzése mindig összefüggött szeretett szülőföldjének képével, széles kiterjedésének végtelenségével, elemi erőinek erejével és erőszakos bátorságával, a virágzó tavaszi természet gyengéd törékenységével.

Rahmanyinov tehetsége korán és fényesen megnyilvánult, bár tizenkét éves koráig nem mutatott nagy buzgalmat a szisztematikus zeneórák iránt. 4 évesen kezdett zongorázni tanulni, 1882-ben felvételt nyert a szentpétervári konzervatóriumba, ahol magára hagyva jóformán vacakol, 1885-ben pedig a moszkvai konzervatóriumba helyezték át. Itt Rahmanyinov zongorázni tanult N. Zverevnél, majd A. Silotinál; elméleti tárgyakból és zeneszerzésből – S. Taneyevvel és A. Arenskyvel. Zverevvel (1885-89) egy panzióban élt, kemény, de nagyon ésszerű munkafegyelem iskolán ment keresztül, amely kétségbeesett lusta és szemtelen emberből kivételesen összeszedett és erős akaratú emberré változott. „A legjobbat, ami bennem van, tartozom neki” – mondta később Rahmanyinov Zverevről. A konzervatóriumban Rahmanyinovra nagy hatást gyakorolt ​​P. Csajkovszkij személyisége, aki viszont követte kedvenc Szerjozsa fejlődését, majd a konzervatórium elvégzése után segített színpadra vinni az Alekó című operát a Bolsoj Színházban, tudván a sajátjától. saját szomorú tapasztalat, hogy egy kezdő zenésznek milyen nehéz a saját útja.

Rahmanyinov a Konzervatóriumban diplomázott zongora (1891) és zeneszerzés (1892) szakon, aranyéremmel. Ekkor már több kompozíció szerzője volt, köztük a híres cisz-moll prelúdium, a „Titkos éj csendjében” románc, az Első zongoraverseny, az „Aleko” opera diplomamunkája. mindössze 17 nap alatt! Az ezt követő Fantasy Pieces op. 3 (1892), Elégikus trió „Egy nagy művész emlékére” (1893), Szvit két zongorára (1893), A zene pillanatai op. 16 (1896), románcok, szimfonikus művek – „The Cliff” (1893), Capriccio cigánytémájú (1894) – megerősítették Rahmanyinov erős, mély, eredeti tehetségének a véleményét. A Rahmanyinovra jellemző képek és hangulatok széles skálán jelennek meg ezekben a művekben – a h-moll „Zenei pillanat” tragikus bánatától a „Tavaszi vizek” című romantika himnikus apoteózisáig, a durva spontán-akarati nyomástól. E-moll „Zenei pillanat” a „Sziget” című romantika legfinomabb akvarelljéig.

Az élet ezekben az években nehéz volt. A határozott és erőteljes teljesítmény és kreativitás terén Rahmanyinov természeténél fogva sebezhető személy volt, aki gyakran kételkedett magában. Anyagi nehézségekbe, világi rendetlenségbe, idegen zugokban bolyongásba keveredve. És bár a hozzá közel álló emberek támogatták, elsősorban a Satin család, magányosnak érezte magát. Az 1897 márciusában, Szentpéterváron előadott Első szimfóniája kudarca által okozott erős sokk alkotói válsághoz vezetett. Rahmanyinov évekig nem komponált semmit, de zongoraművészi előadói tevékenysége felerősödött, karmesterként debütált a Moszkvai Magánoperában (1897). Ezekben az években ismerkedett meg L. Tolsztojjal, A. Csehov, a Művészeti Színház művészeivel barátságot kötött Fjodor Csaliapinnel, amelyet Rahmanyinov az egyik „legerősebb, legmélyebb és legfinomabb művészi élménynek” tartott. Rahmanyinov 1899-ben lépett fel először külföldön (Londonban), 1900-ban pedig Olaszországba látogatott, ahol a Francesca da Rimini jövőbeli operájának vázlatai jelentek meg. Örömteli esemény volt az Alekó című opera szentpétervári színpadra állítása A. Puskin 100. évfordulója alkalmából, Alekó szerepében Chaliapinnel. Így fokozatosan egy belső fordulópont készült, és az 1900-as évek elején. visszatért a kreativitás. Az új évszázad a második zongoraversennyel kezdődött, amely hatalmas riadóként szólalt meg. A kortársak meghallották benne az Idő hangját a maga feszültségével, robbanékonyságával és a közelgő változások érzésével. Most a koncert műfaja válik vezetővé, ebben testesülnek meg a fő gondolatok a legnagyobb teljességgel és befogadással. Új szakasz kezdődik Rahmanyinov életében.

Zongorista és karmesteri tevékenységét általános elismerésben részesíti Oroszországban és külföldön. 2 évig (1904-06) Rahmanyinov karmesterként dolgozott a Bolsoj Színházban, és meghagyta történetében az orosz operák csodálatos produkcióit. 1907-ben részt vett a párizsi S. Diaghilev által szervezett Orosz Történelmi Koncerteken, 1909-ben lépett fel először Amerikában, ahol G. Mahler vezényletével játszotta el Harmadik zongoraversenyét. Az intenzív koncerttevékenység Oroszország és külföld városaiban nem kevésbé intenzív kreativitással párosult, és ennek az évtizednek a zenéjében (a „Tavasz” kantátában – 1902, a prelúdiumokban op. 23, a második szimfónia fináléjában, ill. a harmadik hangverseny) nagy a lelkesedés és a lelkesedés. Az olyan kompozíciókban pedig, mint a „Lila”, „Itt jó itt”, a D-dúr és a G-dúr prelúdiumokban „a természet éneklő erőinek zenéje” bámulatos átütőképességgel szólalt meg.

De ugyanezekben az években más hangulatok is érezhetők. Az anyaországgal és jövőbeli sorsával kapcsolatos szomorú gondolatok, az életről és halálról szóló filozófiai elmélkedések az első zongoraszonáta tragikus képeit idézik elő, amelyet Goethe Faustja, a „Haltak szigete” című szimfonikus költemény ihletett a svájci művész festménye alapján. A. Böcklin (1909), a Harmadik Concerto sok oldala, románcok op. 26. A belső változások különösen 1910 után váltak szembetűnővé. Ha a Harmadik Koncertben a tragédia végül túljutott, és a versenymű ujjongó apoteózissal zárul, akkor az azt követő művekben folyamatosan elmélyül, életre keltve agresszív, ellenséges, komor képzeteket, nyomott hangulatok. A zenei nyelv összetettebbé válik, eltűnik a Rahmanyinovra oly jellemző széles dallami lehelet. Ilyen a „A harangok” című énekes-szimfonikus költemény (a st. E. Poe-n, K. Balmont fordítása – 1913); románcok op. 34 (1912) és op. 38 (1916); Etűd-festmények op. 39 (1917). Rahmanyinov azonban ekkor alkotott magas etikai jelentéssel teli műveket, amelyek a maradandó lelki szépség megszemélyesítőjévé váltak, Rahmanyinov dallamának – „Vocalise” és „All-night Vigil” – kórus a cappella (1915) csúcspontjává. „Gyerekkorom óta lenyűgöznek az Oktoikh csodálatos dallamai. Mindig is úgy éreztem, hogy a kórusfeldolgozásukhoz különleges, különleges stílus kell, és úgy tűnik, ezt a vesperásban találtam meg. Nem tehetek mást, mint bevallani. hogy a Moszkvai Zsinati Kórus első előadása egy órát a legboldogabb örömben részesített” – emlékezett vissza Rahmanyinov.

24. december 1917-én Rahmanyinov és családja, mint kiderült, örökre elhagyta Oroszországot. Több mint negyedszázadon keresztül idegen országban, az USA-ban élt, és ez az időszak többnyire tele volt kimerítő koncerttevékenységgel, a zeneipar kegyetlen törvényei szerint. Rahmanyinov honoráriumának jelentős részét külföldi és oroszországi honfitársai anyagi támogatására fordította. Így az 1922. áprilisi előadás teljes gyűjteményét az oroszországi éhezők javára utalták át, és 1941 őszén Rahmanyinov több mint négyezer dollárt küldött a Vörös Hadsereg segélyalapjába.

Külföldön Rahmanyinov elszigetelten élt, baráti körét az oroszországi bevándorlókra korlátozta. Ez alól csak F. Steinway, a zongorairoda vezetőjének családja tett kivételt, akivel Rahmanyinov baráti kapcsolatot ápolt.

Külföldi tartózkodásának első éveiben Rahmanyinov nem hagyta el a kreatív ihlet elvesztésének gondolatát. „Miután elhagytam Oroszországot, elment a kedvem a zeneszerzéshez. Miután elveszítettem a hazám, elvesztettem önmagam." Mindössze 8 évvel külföldről való távozása után Rahmanyinov visszatér a kreativitáshoz, megalkotja a Negyedik zongoraversenyt (1926), a Három orosz dalt kórusra és zenekarra (1926), a Változatokat Corelli-témára zongorára (1931), a Rapszódiát Paganini témájára. (1934), Harmadik szimfónia (1936), „Szimfonikus táncok” (1940). Ezek a művek Rahmanyinov utolsó, legmagasabb emelkedését jelentik. A jóvátehetetlen veszteség gyászos érzése, az Oroszország utáni égető vágy egy hatalmas tragikus erejű művészetet szül, amely a szimfonikus táncokban éri el tetőpontját. Rahmanyinov pedig a zseniális Harmadik szimfóniában utoljára testesíti meg művének központi témáját – a Szülőföld képét. A művész szigorúan tömény, intenzív gondolata évszázadok mélyéről idézi fel, végtelenül kedves emlékként ébred fel. Változatos témák, epizódok bonyolult összefonódásában tág perspektíva bontakozik ki, a Haza sorsának drámai eposza jön újra létre, amely egy győztes életigenléssel zárul. Rahmanyinov minden alkotásán keresztül hordozza tehát etikai elveinek sérthetetlenségét, magas szellemiségét, hűségét és a Szülőföld iránti megkerülhetetlen szeretetét, amelynek megszemélyesítése művészete volt.

O. Averyanova

• Rahmanyinov múzeum-birtoka Ivanovkában →
• Rahmanyinov zongoraművei →
• Rahmanyinov szimfonikus művei →
• Rahmanyinov kamara-hangszeres művészete →
• Rahmanyinov operaművei →
• Rahmanyinov kórusművei →
• Rahmanyinov románcai →
• Rahmanyinov-karmester →

A kreativitás jellemzői

Szergej Vasziljevics Rahmanyinov Szkrjabin mellett az 1900-as évek orosz zenéjének egyik központi alakja. E két zeneszerző munkássága különösen felkeltette a kortársak figyelmét, hevesen vitatkoztak róla, éles nyomtatott viták kezdődtek egyéni műveik körül. Rahmanyinov és Szkrjabin zenéjének egyéni megjelenésének és figurális szerkezetének minden eltérése ellenére nevük gyakran egymás mellett jelent meg ezekben a vitákban, és összehasonlították egymással. Az összehasonlításnak pusztán külső okai voltak: mindketten a Moszkvai Konzervatórium növendékei voltak, akik szinte egyszerre végeztek ott és ugyanazokkal a tanárokkal tanultak, mindketten tehetségük erejével és fényességével azonnal kitűntek társai közül, nem kaptak elismerést. csak mint rendkívül tehetséges zeneszerzők, hanem mint kiváló zongorista is.

De sok dolog is elválasztotta őket egymástól, és néha a zenei élet különböző oldalaira helyezte őket. A merész újító Szkrjabin, aki új zenei világokat nyitott meg, szemben állt Rahmanyinovval, mint a hagyományosabban gondolkodó művészrel, aki munkásságát a nemzeti klasszikus örökség szilárd alapjaira építette. „G. Rahmanyinov – írta az egyik kritikus – az az oszlop, amely köré csoportosul a valódi irány összes bajnoka, mindazok, akik ápolják Muszorgszkij, Borodin, Rimszkij-Korszakov és Csajkovszkij alapjait.

Rahmanyinov és Szkrjabin helyzete kortárs zenei valóságukban mutatkozó különbségei ellenére azonban nemcsak a fiatalkori kreatív személyiség nevelésének és növekedésének általános feltételei hozták össze őket, hanem a közösség néhány mélyebb vonása is. . „Lázadó, nyughatatlan tehetség” – így jellemezték egykor Rahmanyinovot a sajtó. Ez a nyugtalan impulzivitás, az érzelmi tónus izgalma, amely mindkét zeneszerző munkásságára jellemző, tette különösen kedvessé és közelivé az orosz társadalom széles körei számára a XNUMX. század elején, azok aggodalmas várakozásaival, törekvéseivel és reményeivel. .

„Szkrjabin és Rahmanyinov a modern orosz zenei világ két „zenei gondolatainak uralkodója” <...> Most megosztják egymás között a hegemóniát a zenei világban” – ismerte el LL Sabaneev, az első és a zenei világ egyik legbuzgóbb apologétája. egyformán makacs ellenfele és megrontója a másodiknak. Egy másik, ítéleteiben mérsékeltebb kritikus a moszkvai zeneiskola három legkiemelkedőbb képviselőjének, Tanyejevnek, Rahmanyinovnak és Szkrjabinnak az összehasonlító leírásának szentelt cikkében ezt írta: a modern, lázasan intenzív élet hangvételét. Mindkettő a modern Oroszország legjobb reménysége.”

Sokáig Rahmanyinov nézete dominált Csajkovszkij egyik legközelebbi örökösének és utódjának. Munkásságának kialakulásában és fejlődésében kétségtelenül jelentős szerepet játszott a Pákkirálynő szerzőjének hatása, ami teljesen természetes a Moszkvai Konzervatóriumot végzett, AS Arensky és SI Tanyeev hallgatója számára. Ugyanakkor érzékelte a „pétervári” zeneszerzőiskola néhány jellemzőjét is: Csajkovszkij izgatott lírája Rahmanyinovban ötvöződik Borodin durva epikus nagyságával, Muszorgszkij mély behatolásával az óorosz zenei gondolkodás rendszerébe, ill. Rimszkij-Korszakov szülőtermészetének költői felfogása. Mindazt, amit a tanároktól és az elődöktől tanult azonban a zeneszerző mélyen újragondolta, erős alkotóakaratának engedelmeskedve, új, teljesen önálló egyéni karaktert sajátított el. Rahmanyinov mélyen eredeti stílusa nagy belső integritást és organikusságot mutat.

Ha párhuzamot keresünk vele a századelő orosz művészeti kultúrájában, akkor ez elsősorban a Csehov-Bunin vonal az irodalomban, a festészetben Levitan, Neszterov, Ostrouhov lírai tájképei. Ezeket a párhuzamokat különböző szerzők többször is feljegyezték, és szinte sablonossá váltak. Köztudott, hogy Rahmaninov milyen lelkes szeretettel és tisztelettel kezelte Csehov munkáját és személyiségét. Már élete későbbi éveiben az író leveleit olvasva bánta, hogy a maga idejében nem találkozott vele közelebbről. A zeneszerzőt sok éven át kölcsönös rokonszenv és közös művészeti nézet kapcsolta Buninhoz. Szenvedélyes szeretet hozta össze őket és kapcsolta össze őket anyanyelvük, orosz természetük, az egyszerű élet jelei iránt, amely már az ember közvetlen közelében hagyja el az őt körülvevő világot, a világ költői attitűdjét, amelyet mély színek színesítenek. átható líra, a lelki felszabadulás és az emberi személy szabadságát korlátozó bilincsek alóli megszabadulás szomja.

Rahmanyinov ihletforrása a való életből, a természet szépségéből, az irodalom és a festészet képeiből fakadó impulzusok sokfélesége volt. „…Úgy látom – mondta –, hogy a zenei ötletek könnyebben születnek bennem bizonyos zenei kívüli benyomások hatására. Ugyanakkor Rahmanyinov nem annyira a valóság egyes jelenségeinek közvetlen zenei visszatükrözésére, a „hangokba való festésre” törekedett, hanem érzelmi reakcióinak, érzéseinek és élményeinek kifejezésére, amelyek a különféle hatások hatására keletkeznek. kívülről kapott benyomások. Ebben az értelemben úgy beszélhetünk róla, mint a 900-as évek költői realizmusának egyik legszembetűnőbb és legtipikusabb képviselőjéről, amelynek fő irányzatát VG Korolenko sikeresen megfogalmazta: „Mi nem csak úgy tükrözzük a jelenségeket, ahogy vannak. ne keltsen illúziót szeszélyből nem létező világból. Létrehozzuk vagy manifesztáljuk az emberi szellemnek a környező világhoz való új viszonyát, amely bennünk születik.

Rahmanyinov zenéjének egyik legjellemzőbb vonása, amely a megismerkedés során mindenekelőtt felkelti a figyelmet, a legkifejezőbb dallam. Kortársai közül kiemelkedik azzal a képességével, hogy nagy lélegzetű, szélesen és hosszan kibontakozó dallamokat tud alkotni, ötvözi a rajz szépségét és plaszticitását élénk és intenzív kifejezéssel. A dallamosság, a dallamosság Rahmanyinov stílusának fő tulajdonsága, amely nagymértékben meghatározza a zeneszerző harmonikus gondolkodásának természetét és műveinek textúráit, amelyek általában független hangokkal telítettek, vagy előtérbe kerülnek, vagy sűrű, sűrűben eltűnnek. hang szövet.

Rahmanyinov megalkotta a maga egészen különleges dallamtípusát, amely Csajkovszkij jellegzetes technikáinak – intenzív dinamikus dallamfejlesztésnek a variánstranszformációk módszerével, gördülékenyebben és nyugodtabban végrehajtott – kombinációján alapult. Gyors felszállás, vagy hosszan tartó intenzív csúcsra emelkedés után a dallam mintegy megfagy az elért szinten, változatlanul visszatérve egy-egy hosszan énekelt hanghoz, vagy lassan, szárnyaló párkányokkal tér vissza eredeti magasságába. Fordított kapcsolat is lehetséges, amikor egy korlátozott magaslati zónában való többé-kevésbé hosszú tartózkodást a dallam futása hirtelen megszakítja egy széles intervallumra, éles lírai kifejezést hozva létre.

A dinamika és a statika ilyen áthatolásában látja LA Mazel Rahmanyinov dallamának egyik legjellemzőbb vonását. Egy másik kutató ezen elvek arányának Rahmanyinov munkájában általánosabb értelmet tulajdonít, rámutatva a „fékezés” és az „áttörés” mozzanatainak váltakozására, amelyek számos munkája mögött állnak. (Hasonló gondolatot fogalmaz meg Bobrovszkij alelnök, megjegyezve, hogy „Rahmanyinov egyéniségének csodája két egymással ellentétes irányú irányzat egyedi szerves egységében rejlik, és ezek csakis benne rejlő szintézisében” – ez az aktív törekvés és a „hosszú ideig való maradás azon tendenciája, ami eddig volt. elért."). Szemlélődő lírai hajlam, hosszan tartó elmélyülés valamilyen lelkiállapotban, mintha a zeneszerző meg akarná állítani a múló időt, hatalmas, kifelé rohanó energiával, aktív önigazolási szomjúsággal párosult. Innen ered a kontrasztok erőssége és élessége zenéjében. Arra törekedett, hogy minden érzést, minden lelkiállapotot a kifejezés szélsőséges fokára hozzon.

Rahmanyinov szabadon kibontakozó lírai dallamaiban, hosszan tartó, szakadatlan lélegzetvétellel, gyakran hallani valami olyasmit, ami hasonlít az orosz elhúzódó népdal „kikerülhetetlen” szélességéhez. Ugyanakkor Rahmanyinov kreativitása és a népdalírás közötti kapcsolat nagyon közvetett természetű volt. A zeneszerző csak ritka, elszigetelt esetekben folyamodott valódi népi dallamok használatához; nem törekedett saját dallamainak a népi dallamokkal való közvetlen hasonlóságára. „Rahmanyinovban – jegyzi meg helyesen a dallamairól szóló különleges mű írója – ritkán jelenik meg közvetlenül a kapcsolat a népművészet egyes műfajaival. Konkrétan a műfaj gyakran feloldódni látszik a folk általános „érzésében”, és nem, mint elődeinél, a teljes zenei arculatformálási és formálási folyamat bebetonozó kezdete. Ismételten felhívták a figyelmet Rahmanyinov dallamának olyan jellegzetes vonásaira, amelyek közelebb hozzák az orosz népdalhoz, mint például a mozgás simasága a lépcsőzetes mozdulatok túlsúlyával, a diatonizmus, a fríg fordulatok bősége stb. Mélyen és szervesen asszimilált a zeneszerző által ezek a vonások egyéni szerzői stílusának elidegeníthetetlen tulajdonává válnak, sajátos, csak rá jellemző kifejező színezetet nyerve.

Ennek a stílusnak a másik oldala, amely olyan ellenállhatatlanul lenyűgöző, mint Rahmanyinov zenéjének dallamgazdagsága, egy szokatlanul energikus, uralkodóan hódító és egyben rugalmas, olykor szeszélyes ritmus. A zeneszerző kortársai és későbbi kutatói egyaránt sokat írtak erről a sajátosan Rahmanyinov-ritmusról, amely önkéntelenül magára vonja a hallgató figyelmét. Gyakran a ritmus határozza meg a zene fő hangját. AV Ossovsky 1904-ben a Második kétzongorás szvit utolsó tételével kapcsolatban megjegyezte, hogy abban Rahmanyinov „nem félt elmélyíteni a Tarantella-forma ritmikus érdeklődését egy nyugtalan és elsötétült lélekig, akitől nem idegenek valamiféle démonizmus támadásai. alkalommal.”

A ritmus Rahmanyinovban egy hatékony akarati elv hordozójaként jelenik meg, amely dinamizálja a zenei szövetet, és lírai „érzésözönt” vezet be a harmonikus építészetileg teljes egész főáramába. BV Aszafjev a ritmikai elv szerepét összehasonlítva Rahmanyinov és Csajkovszkij műveiben a következőket írta: „Utóbbiban azonban „nyugtalan” szimfóniájának alapvető természete különös erővel mutatkozott meg maguknak a témáknak a drámai ütközésében. Rahmanyinov zenéjében a maga alkotói integritásában nagyon szenvedélyes, a lírai-szemlélődő érzésraktár egyesülése a zeneszerző-előadó „én”-ének erős akaratú szervezeti raktárával a személyes szemlélődés „egyéni szférájává” válik. amelyet az akarati tényező értelmében a ritmus vezérelt…”. A Rahmanyinovban a ritmikus minta mindig nagyon világosan körvonalazódik, függetlenül attól, hogy a ritmus egyszerű, egyenletes, mint egy nagy harang nehéz, kimért üteme, vagy összetett, bonyolultan virágos. A zeneszerző kedvence, különösen az 1910-es évek műveiben, a ritmikus ostinato nemcsak formáló, de esetenként tematikus jelentőséget is ad a ritmusnak.

A harmónia terén Rahmanyinov nem lépte túl a klasszikus dúr-moll rendszert abban a formában, amelyet az európai romantikus zeneszerzők, Csajkovszkij és a Hatalmas Maroknyi képviselői munkáiban sajátított el. Zenéje mindig hangszínben meghatározott és stabil, de a klasszikus-romantikus hangharmónia eszközeinek felhasználásával olyan jellegzetes vonások jellemezték, amelyek alapján nem nehéz megállapítani egyik vagy másik kompozíció szerzőségét. Rahmanyinov harmonikus nyelvének ilyen különleges egyéniségei közé tartozik például a funkcionális mozgás közismert lassúsága, a hosszan tartó egy hangban maradásra való hajlam, olykor a gravitáció gyengülése. Felhívják a figyelmet az összetett többterces formációk, a nem- és undecimális akkordok soraira, amelyeknek gyakran színesebb, hangzásbeli, mint funkcionális jelentősége van. Az ilyen komplex harmóniák összekapcsolása többnyire dallamkapcsolat segítségével valósul meg. A dallam-dal elem dominanciája Rahmanyinov zenéjében meghatározza hangszövetének nagyfokú többszólamú telítettségét: a többé-kevésbé független „énekes” hangok szabad mozgása következtében állandóan egyedi harmonikus komplexumok keletkeznek.

Rahmanyinovnak van egy kedvenc harmonikus fordulata, amelyet olyan gyakran használt, különösen a korai korszak kompozícióiban, hogy még a „Rachmaninov harmóniája” nevet is megkapta. Ez a fordulat egy harmonikus moll redukált bevezető hetedik akkordján alapul, amelyet általában terzkvartakkord formájában használnak, a II. fokú III. fokozat helyettesítésével és a dallami harmadállásban tónusos triáddal való feloldással.

Megrendítő gyászos érzést kelt az a redukált kvart felé való elmozdulás, ami jelen esetben a dallamos hangban felmerül.

Rahmanyinov zenéjének egyik figyelemre méltó vonásaként számos kutató és megfigyelő felhívta a figyelmet a domináns moll színezésre. Mind a négy zongoraversenye, három szimfóniája, mindkét zongoraszonáta, a legtöbb etűd-kép és sok más kompozíció mollban született. Még a dúr is gyakran kisebb elszíneződést kap a csökkenő elváltozások, tónuseltérések és a kisebb oldallépések elterjedt alkalmazása miatt. De kevés zeneszerző ért el ilyen sokféle árnyalatot és kifejező koncentrációt a moll hangnem használatában. LE Gakkel megjegyzése, hogy az etűd-festményekben op. 39 „a lét kisebb színeinek, az életérzés kisebb árnyalatainak legszélesebb skáláját tekintve” kiterjeszthető Rahmanyinov munkáinak jelentős részére. Az olyan kritikusok, mint Szabanejev, aki előítéletes ellenségeskedést táplált Rahmanyinov iránt, „intelligens nyafogónak” nevezték, akinek zenéje „egy akaraterőtől mentes ember tragikus tehetetlenségét tükrözi”. Eközben Rahmanyinov sűrű „sötét” mollja gyakran bátornak, tiltakozónak és hatalmas akarati feszültséggel telten hangzik. És ha megakadnak a fülben a gyászos hangok, akkor ez a hazafias művész „nemes bánata”, az a „fojtott nyögés a szülőföldről”, amelyet M. Gorkij hallott Bunyin egyes művében. A hozzá lélekben közel álló íróhoz hasonlóan Rahmanyinov is – Gorkij szavaival élve – „Oroszország egészére gondolt”, sajnálja veszteségeit, és szorong a jövő sorsa miatt.

Rahmanyinov alkotóképe főbb vonásaiban szerves és stabil maradt a zeneszerző fél évszázados utazása során, anélkül, hogy éles töréseket és változásokat tapasztalt volna. Fiatal korában tanult esztétikai és stíluselveihez hű volt élete utolsó évéhez. Mindazonáltal munkásságában megfigyelhető egy bizonyos evolúció, amely nemcsak a készség növekedésében, a hangzási paletta gazdagításában nyilvánul meg, hanem részben kihat a zene figuratív és kifejező szerkezetére is. Ezen az úton három nagy, bár mind időtartamát, mind termelékenységi fokát tekintve nem egyenlő periódus rajzolódik ki egyértelműen. Többé-kevésbé hosszadalmas átmeneti cezúrák, kételyek, elmélkedések, tétovázások határolják el őket egymástól, amikor egyetlen befejezett mű sem került ki a zeneszerző tollából. Az első időszak, amely a 90. század XNUMX-es éveire esik, a kreatív fejlődés és a tehetség érésének időszakának nevezhető, amely korai életkorban a természeti hatások leküzdésével indult el. Ennek az időszaknak az alkotásai sokszor még nem elég önállóak, formailag és textúrájában tökéletlenek. (Néhányat (Első zongoraverseny, elégiás trió, zongoradarabok: Dallam, Szerenád, Humoreszk) a zeneszerző később átdolgozott, textúrájukat gazdagította, fejlesztette.), bár számos oldalukon (az „Aleko” ifjúsági opera legjobb pillanatai, az Elégikus trió PI Csajkovszkij emlékére, a híres c-moll előjáték, néhány zenei pillanat és románc) a zeneszerző egyénisége. már kellő bizonyossággal kiderült.

Váratlan szünet következik 1897-ben, Rahmanyinov első szimfóniájának sikertelen előadása után, amely műbe a zeneszerző rengeteg munkát és lelki energiát fektetett, amit a legtöbb zenész félreértett, és szinte egyöntetűen elítélt a sajtó oldalain, sőt nevetségessé is tette. néhány kritikus szerint. A szimfónia kudarca mély lelki traumát okozott Rahmanyinovban; saját, későbbi bevallása szerint „olyan ember volt, aki agyvérzést kapott, és hosszú időre elvesztette a fejét és a kezét is”. A következő három év a szinte teljes alkotói csend éve volt, ugyanakkor tömény elmélkedés, minden eddigi tett kritikai átértékelése. A zeneszerző önmagán végzett intenzív belső munkájának eredménye egy szokatlanul intenzív és fényes alkotói felfutás volt az új évszázad elején.

A 23. század első három-négy évében Rahmaninov számos, különböző műfajú művet hozott létre, amelyek mély költészetükkel, frissességükkel és az ihlet közvetlenségével figyelemreméltóak, amelyekben az alkotói képzelet gazdagsága és a szerző „kézírásának” eredetisége volt. magas színvonalú kivitelezéssel párosulnak. Köztük a második zongoraverseny, a második szvit kétzongorára, a cselló-zongora szonáta, a „tavasz” kantáta, Tíz prelúdium op. XNUMX, a „Francesca da Rimini” opera, Rahmanyinov énekszövegeinek néhány legjobb példája („Lilac”, „Részlet A. Musset-ből”). Ez a műsorozat megalapozta Rahmanyinov pozícióját az egyik legnagyobb és legérdekesebb orosz zeneszerzőként. korunkban, széles körű elismerést hozva neki a művészi értelmiség köreiben és a hallgatóság körében.

Az 1901-től 1917-ig tartó, viszonylag rövid időszak volt a legtermékenyebb munkásságában: ebben a másfél évtizedben Rahmanyinov műveinek nagy része kiforrott, önálló stílusban született, amely a nemzeti zenei klasszikusok szerves részévé vált. Szinte minden év hozott új opuszokat, amelyek megjelenése a zenei élet nevezetes eseményévé vált. Rahmanyinov szakadatlan alkotói tevékenysége mellett munkássága ebben az időszakban sem maradt változatlan: az első két évtized fordulóján a sörfőzési váltás tünetei érezhetők benne. Anélkül, hogy elveszítené általános „általános” tulajdonságait, tónusa súlyosabbá válik, a zavaró hangulatok felerősödnek, miközben a lírai érzés közvetlen kiáradása mintha lelassulna, a zeneszerző hangpalettáján ritkábban jelennek meg a világos átlátszó színek, a zene összszíne. sötétedik és sűrűsödik. Ezek a változások észrevehetők a zongoraelőjátékok második sorozatában, op. 32, két ciklus etűd-festmény, és különösen olyan monumentális nagy kompozíciók, mint a „Harangok” és az „Egész éjszakai virrasztás”, amelyek az emberi lét és az ember életcéljának mély, alapvető kérdéseit vetik fel.

A Rahmanyinov által átélt evolúció nem kerülte el kortársai figyelmét. Az egyik kritikus a Harangokról így írt: „Úgy tűnik, Rahmanyinov új hangulatokat, gondolatai kifejezésének új módját kezdte keresni… Itt érzi Rahmanyinov újjászületett stílusát, aminek semmi köze nincs Csajkovszkij stílusához. ”

1917 után Rahmanyinov munkásságában új szünet kezdődik, ezúttal sokkal hosszabb, mint az előző. A zeneszerző csak egy egész évtized után tért vissza a zeneszerzéshez, miután három orosz népdalt hangszerelt kórusra és zenekarra, és befejezte az első világháború előestéjén megkezdett negyedik zongoraversenyt. A 30-as években mindössze négyet írt (néhány zongorakoncert-átiratot leszámítva), de jelentős művek gondolata szempontjából.

* * *

A XNUMX. század első felében a zenei művészet fejlődését jellemző összetett, gyakran ellentmondásos keresések, éles, heves irányharc, a művészi tudat megszokott formáinak felbomlása közepette Rahmanyinov hű maradt a nagy klasszikushoz. az orosz zene hagyományait Glinkától Borodinig, Muszorgszkijig, Csajkovszkijig, Rimszkij-Korszakovoig és Tanyejev, Glazunov legközelebbi, közvetlen tanítványai és követői. De nem korlátozta magát e hagyományok őrzőjének szerepére, hanem aktívan, kreatívan érzékelte őket, érvényesítette élő, kimeríthetetlen erejüket, a továbbfejlődés, gazdagodás képességét. Az érzékeny, befolyásolható művész, Rahmanyinov, annak ellenére, hogy ragaszkodott a klasszikusok előírásaihoz, nem maradt süket a modernitás felhívásaira. A XNUMX. század új stilisztikai irányzataihoz való hozzáállásában nemcsak a konfrontáció, hanem egy bizonyos interakció is volt.

Fél évszázad alatt Rahmanyinov munkássága jelentős evolúción ment keresztül, és nemcsak a harmincas, de a 1930-es évek alkotásai is jelentősen eltérnek mind figurális felépítésükben, mind nyelvükben, zenei kifejezési eszközeikben a korai, de még nem. az előző végének teljesen független opuszai. századokban. Némelyikben a zeneszerző kapcsolatba kerül impresszionizmussal, szimbolizmussal, neoklasszicizmussal, bár mélyen sajátos módon, egyénileg érzékeli ezen irányzatok elemeit. Rahmanyinov alkotóképe minden változás és fordulat ellenére belsőleg nagyon szerves maradt, megőrizte azokat az alapvető, meghatározó vonásait, amelyek miatt zenéje a legszélesebb hallgatói körnek köszönheti népszerűségét: a szenvedélyes, magával ragadó líraiságot, a kifejezés valósághűségét és őszinteségét, a költői világlátást. .

Yu. Gyerünk

Rahmanyinov karmester

Rahmanyinov nemcsak zeneszerzőként és zongoristaként vonult be a történelembe, hanem korunk kiemelkedő karmestereként is, bár tevékenységének ez az oldala nem volt olyan hosszú és intenzív.

Rahmanyinov karmesterként 1897 őszén debütált a moszkvai Mamontov Magánoperában. Ezt megelőzően nem kellett zenekart vezetnie és karmesteri tanulmányokat folytatnia, de a zenész briliáns tehetsége segített Rahmanyinovnak gyorsan megtanulni a mesterség titkait. Elég csak felidézni, hogy alig tudta befejezni az első próbát: nem tudta, hogy az énekeseknek jelezniük kell a bemutatkozást; és néhány nappal később Rahmanyinov már tökéletesen végezte a dolgát, vezényelte Saint-Saens Sámson és Delila operáját.

„A Mamontov-operában töltött évem nagyon fontos volt számomra” – írta. – Ott sajátítottam el egy igazi karmesteri technikát, ami később óriási szolgálatot tett számomra. A színház második karmestereként végzett munka szezonja során Rahmanyinov kilenc opera huszonöt előadását vezényelte: „Sámson és Delila”, „Hableány”, „Carmen”, Gluck „Orfeusz”, Szerov „Rogneda”, „ Mignon”, Tom, „Askold sírja”, „Az ellenség ereje”, „Május éjszaka”. A sajtó azonnal felfigyelt karmesteri stílusának letisztultságára, természetességére, testtartásának hiányára, az előadókra átvitt vasas ritmusérzékre, finom ízlésre és a zenekari színek csodálatos érzékére. A tapasztalatok megszerzésével Rahmanyinovnak mint zenésznek ezek a vonásai a legteljesebb mértékben megnyilvánultak, kiegészítve a szólistákkal, kórussal és zenekarral végzett munka magabiztosságával és tekintélyével.

A következő években a zeneszerzéssel és zongorista tevékenységgel foglalkozó Rahmanyinov csak alkalmanként vezényelt. Karmesteri tehetségének virágkora az 1904-1915 közötti időszakra esik. Két évadon át a Bolsoj Színházban dolgozik, ahol orosz operák interpretációja különösen nagy sikert arat. A színház életének történelmi eseményeinek nevezik a kritikusok Ivan Susanin jubileumi előadását, amelyet Glinka születésének századik évfordulója tiszteletére vezényelt, és Csajkovszkij hetét, amelyen Rahmanyinov vezényelte a Pák királynőjét, Jevgenyij Onegint, Oprichnikot. és balettek.

Később Rahmanyinov Szentpéterváron rendezte a Pákkirálynő előadását; A bírálók egyetértettek abban, hogy ő volt az első, aki megértette és a közönség elé tárta az opera teljes tragikus jelentését. Rahmanyinov kreatív sikerei közé tartozik a Bolsoj Színházban Rimszkij-Korszakov Pán Voevoda című produkciója, valamint A fösvény lovag és Francesca da Rimini című saját operái is.

A szimfonikus színpadon Rahmanyinov az első koncertektől kezdve hatalmas léptékű teljes mesternek bizonyult. A „zseniális” jelző minden bizonnyal karmesteri előadásairól szóló kritikákat kísérte. Rahmanyinov leggyakrabban a Moszkvai Filharmonikus Társaság hangversenyein, valamint a Siloti és Koussevitzky zenekarral lépett fel a karmesteri pultnál. 1907-1913-ban sokat vezényelt külföldön – Franciaország, Hollandia, USA, Anglia, Németország városaiban.

Rahmanyinov karmesteri repertoárja azokban az években szokatlanul sokrétű volt. A mű stílusában és jellegében a legkülönfélébb stílusokba tudott behatolni. Természetesen az orosz zene állt hozzá a legközelebb. A színpadon újjáélesztette Borodin Bogatyr szimfóniáját, amely addigra már szinte feledésbe merült, és hozzájárult Ljadov miniatúráinak népszerűségéhez, amelyeket kivételes ragyogással adott elő. Csajkovszkij zenéjének interpretációját (különösen a 4. és 5. szimfóniát) rendkívüli jelentőség és mélység jellemezte; Rimszkij-Korszakov műveiben a legfényesebb színskálát tudta a közönség elé tárni, Borodin és Glazunov szimfóniáiban pedig epikus szélességgel és drámai értelmezési integritással ragadta meg a közönséget.

Rahmanyinov karmesteri művészetének egyik csúcsa Mozart g-moll szimfóniájának tolmácsolása volt. Wolfing kritikus ezt írta: „Mit jelent sok írott és nyomtatott szimfónia Rahmanyinov Mozart g-moll szimfóniájának előadása előtt? … Az orosz művészi zseni másodszor alakította át és mutatta meg e szimfónia szerzőjének művészi természetét. Nemcsak Puskin Mozartjáról beszélhetünk, hanem Rahmanyinov Mozartjáról is…”

Emellett Rahmanyinov műsoraiban sok romantikus zenét találunk – például Berlioz Fantasztikus szimfóniáját, Mendelssohn és Franck szimfóniáit, Weber Oberon-nyitányát és Wagner operáinak töredékeit, Liszt költeményét és Grieg lírai szvitjét… És mellette – modern szerzők csodálatos előadása – R. Strauss szimfonikus költeményei, az impresszionisták művei: Debussy, Ravel, Roger-Ducasse… És persze Rahmanyinov felülmúlhatatlan tolmácsolója volt saját szimfonikus kompozícióinak. Az ismert szovjet zenetudós, V. Jakovlev, aki többször is hallotta Rahmanyinovot, így emlékszik vissza: „Nemcsak a közönség és a kritikusok, a tapasztalt zenekari tagok, professzorok, művészek ismerték el vezetői szerepét e művészet legmagasabb pontjaként… Munkamódszerei nem annyira műsorra redukálva, hanem külön megjegyzésekre, aljas magyarázatokra, gyakran énekelte, vagy ilyen-olyan formában elmagyarázta, amit korábban mérlegelt. Mindenki, aki jelen volt a koncertjein, emlékszik az egész kéz széles, jellegzetes mozdulataira, nem csak az ecsetről; néha túlzónak tartották ezeket a gesztusait a zenekari tagok, de ismerősek voltak számára és megértették őket. Nem volt mesterségesség a mozdulatokban, pózokban, semmi effektus, kézi rajz. Határtalan szenvedély volt, amit gondolkodás, elemzés, megértés és az előadó stílusába való betekintés előzött meg.

Tegyük hozzá, hogy Rahmanyinov karmester is felülmúlhatatlan együttes játékos volt; Koncertjein olyan művészek szólaltak meg, mint Tanyejev, Szkrjabin, Siloti, Hoffmann, Casals, az operaelőadásokon pedig Csaliapin, Nyezsdanova, Szobinov…

1913 után Rahmanyinov nem volt hajlandó más szerzők műveit előadni, és csak saját szerzeményeit vezényelte. Csak 1915-ben tért el ettől a szabálytól, amikor egy koncertet vezényelt Szkrjabin emlékére. Karmesteri hírneve azonban még később is szokatlanul magas volt az egész világon. Elég az hozzá, hogy 1918-ban az Egyesült Államokba érkezése után azonnal felajánlották neki az ország legnagyobb zenekarainak vezetését – Bostonban és Cincinnatiben. Ekkor azonban már nem tudott időt szánni a karmesteri munkára, zongoraművészként intenzív koncerttevékenységre kényszerült.

Csak 1939 őszén, amikor Rahmanyinov műveiből koncertciklust rendeztek New Yorkban, a zeneszerző beleegyezett, hogy vezényeljen egyet. A Philadelphia Orchestra ezután előadta a Harmadik szimfóniát és a Harangokat. Ugyanezt a programot 1941-ben Chicagóban megismételte, majd egy évvel később Egan Arborban rendezte az „Isle of the Dead” és a „Symphonic Dances” című előadást. A kritikus O. Daune a következőket írta: „Rahmaninov a zenekar vezetésével bebizonyította, hogy ugyanolyan készségekkel és kontrollal rendelkezik a teljesítmény, a zeneiség és az alkotóerő felett, amit zongorajáték közben is megmutat. Játékának karaktere, stílusa, valamint vezénylése higgadtsággal és magabiztossággal üt meg. Ugyanaz a hivalkodás teljes hiánya, ugyanaz a méltóságérzet és a nyilvánvaló visszafogottság, ugyanaz a csodálatra méltó uralkodó erő. A holtak szigete, a Vocalise és a Harmadik szimfónia akkor készült felvételei a zseniális orosz zenész karmesteri művészetének bizonyítékait őrizték meg számunkra.

L. Grigorjev, J. Platek